de las cosas que la mota exacerba es la noción de estar viviendo fuera de la tradición. hay un desenfado, un desinterés por vivir la vida familiar. todo el encanto de ver crecer a las nietas no tiene comparación con vivir el proceso creativo intelectual. porque eso es la pintura, es un asunto mental.
¿Es necesario decir este tipo de cosas? al parecer sí. la presencia aunque lejana de la familia que no está interesada en la producción de obra, que no participa de una investigación de lo propio, con lo personal, es una fuerza intensa hacia una vida cerrada a la creación, sin vulnerabilidades. pareciera como si una artista viviera al margen de toda esa otra vida que se vive al rededor de los hijos.
dos tipos de vida y yo ya elegí.
La serie del cuerpo alienado.
El momento de la yoga es un tiempo privado. A pesar de que se nos repite que tenemos que hacer ejercicio y cuidar la salud, hacer yoga no es igual que salir a caminar o hacer deporte. las poses en que pongo mi cuerpo son poses que no son para hacerlas en la calle. el cuerpo abierto, ofrecido, vulnerable, apenas equilbrado no tiene sentido en la sociedad. estas poses no son para inspirar a nadie, no son las de una musa ni las de una deportista. y también la percepción de mi cuerpo cuando hago yoga es diferente a cualquier otra cosa que yo pueda sentir con mi cuerpo.
después de la menopausia el cuerpo queda desvencijado. desalineado, debilitado. la yoga y los abdominales que recubren la panza son los que más me interesa reforzar. sostienen la espalda de manera que alivia lo que ya es un dolor crónico.
como mi pintura trata el tema del cuerpo, y estoy experimentando tanto placer con mi cuerpo flexible y sobretodo fuerte, es lógico que éste sea un tema en mi pintura.
un par de cosas han resultado del ejercicio de construir el rostro, las carnaciones, la piel, the flesh. como en cualquier oficio en donde van surgiendo áreas de exploración, de investigación (ésta palabra usada en el sentido callejero que significa andar de chismosa, de curiosa, de preguntona. la detective que soy. y salvaje también.) el tema de la reproducción de la humana es un tema mental.
Pero como dijo Pancho más elegantemente: lo que diga con arrogancia, tómenlo con un grano de sal; por otro lado, tampoco está fácil entrarle a hablar de procesos sin hacer trova.
En revisando, entonces, los pasos de la pintura académica, surgieron ideas que no voy a poder compartir con mis alumnos porque ellos, excepto por una o dos excepciones, no han pintado regularmente. son principiantes y yo no puedo desviarme, mucho, del temario básico, que es mi responsabilidad, siento yo, presentarles.
Pero el desglose de asuntos específicos que se pueden expandir es muy rico y útil. La pintura de detalles para lograr una apariencia naturalista, por ejemplo, es esencial en la creación de fantasía. la similitud es útil cuando queremos presentar un objeto o una humana creíble. lo vemos en el cine todo el tiempo. a lo mejor odiamos ese realismo excesivo al servicio de un mundo tan apocalíptico. a lo mejor queremos pintar un mundo posibe personal, que sólo te dé placer a tí. pues, nada mejor que esta técnica para darle verosimilitud a tu versión de lo surreal, o a tus sueños, si crees que son importantes o sirven para algo, o a los conceptos que quieras elegir. la pintura figurativa es la más poderosa para comunicar emociones humanas complejas, contradictorias, o poéticas y personales.
Sobre porqué digo que no es relevante exponer la obra que es experiencia extranjera. lo digo conciente de que esta es la mejor manera de excluirme de lo que se expone acá. En el negocio de la hospitalidad enfocada en el arte que se encuentra con el negocio de la cultura que son las residencias artísticas.
¿no estoy yo también haciendo una residencia artística que se convirtió en permanente?
la experiencia de ir a un país exótico, que se te pongan los ojos cuadrados con la cotideaneidad local y que inspirada así con tanta cosa nueva tengas un lugar, no tu taller si no que uno como comunitario, como si estuvieras aún en la escuela haciendo cosas con tus compañeros, haciendo de todo, aunque hace rato que te graduaste.
vas entonces a otro país exótico y así viviendo un rato ahí haces obra. qué chido no?
mi problema es que esa obra tiene una hechura que no da cabida a mucha reflexión. pero más que nada me da lata que ese tipo de obra sea la que se muestre en galerías chidas.
soy una envidiosa y tengo que tener una estrategia para no caer en acciones tomadas bajo ese rollo de compararme. fatal. escribo cartas a galerías y no hay manera de que no se vea como una ataque a les artistas. como lo que me pasó con la Sandra Del Pilar, en primer año de maestría. Tratando de justificar lo mío por medio de ningunear lo de otra. Vergonzoso y políticamente incorrecto.
el asunto se trata de que ese espacio blanco galerístico es la platforma, creo yo, y a lo mejor me equivoco, para pasar a ser artista de tiempo completo. cuando en realidad no lo es. yo lo que quiero es lograr hacer una crítica, la misma que hace Avelina pero desde mis palabras porque no estamos mirando desde el mismo lugar. Ella no necesita que esas galerías expongan su obra y la validen. Ella está libre de ese asunto que es el que a mí como productora me enceguese.
esa es la razón por la cuál se necesitan los críticos. ellos representan al espectador.
pero quién representa a los artistas? yo sé que Avelina intenta hacer eso, y su intento está probando ser valioso para muchos jóvenes. será que no soy jóven, el caso es que siento que es muy penoso que los artistas no podamos lograr formar una fuerza de acción. todo con la pintura apunta a que es un asunto individual. Necesario de igual forma que la necesidad de socializar. pero es un camino solitario y en lo oscurito, literal, porque el óleo no aguanta el sol.
Son tantos temas los que se pueden discutir cuando se trata de la venta de arte.
Me corrieron, eso fue lo que pasó, del Jardín del Arte acá en Oaxaca y la razón es, al parecer, muy sencilla: la regla número uno para poder estar ahí y mostrar mis pinturas es que tengo que estar todos los días que "se abre al público". Es decir que si son, por ejemplo las fiestas de Día de Muertos, entonces hay que estar presente en el parque, toda la semana, y así con Navidad y Guelaguetza, etc. Y cuando no hay fiestas hay que estar con tus cuadros en un atril viernes, sábados y domingos. No puedo ir, por ejemplo, sólo los sábados. Me explicaron, aunque puede que yo haya entendido mal, o ellos no supieron explicarse, que esto de estar en ese lugar es un privilegio, y que hay que respetar. Respetar en este caso significa que no puedo ir cuando yo quiera, es decir, que no importa que yo trabaje de maestra de inglés o de lo que sea, para pagar las cuentas, es decir, tengo que dejar todo lo que tengo seguro para pagar las cuentas, por estar ahí de artista vendiendo mis obras. Así lo hacen todos, y así lo tengo que hacer yo también.
En este paradigma del artista que vende en la calle, como en un culto religioso, si no te gusta te puedes ir. Y por eso es que otros artistas ya no pueden estar en el parque. Te castigan si no puedes hacer lo que ellos creen es fundamental para mantener el Jardín del Arte funcionando. Así lo confirmaron los artistas que están ahí, sobre otros que quisieron estar y no pudieron. Por esas reglas. No soy la única pues, que han corrido y este punto es importante porque es tentador pensar que me corrieron por ser mujer, hay sólo 2 o 3, o porque no hago magueyes. Tampoco es porque mi obra sea emergente, que lo es porque no tengo exposiciones individuales -otro tema que no va aquí-. Tampoco es porque tenga obra en las galerías, porque en este momento no hay obra mía en ninguna galería de la ciudad, otro tema que no va aquí. Para ser precisa, me dijeron que puedo llegar a ponerme, pero que si no hay lugar ellos me pueden decir que no. no queda claro, verdad? es decir, eres bienvenida pero si no hay lugar te quedas fuera. pues, ni modos que atropelle a alguien y lo saque a patadas para yo ocupar su lugar, no? qué raro, no? les digo, y puedo checar por whatsapp a ver si hay lugar? y ponen cara de no. básicamente o voy y me arriesgo a que me digan que no quepo, lo que sería muy raro y por lo tanto dudo que ocurra. básicamente me están diciendo, puedes venir pero no eres como nosotros. o quién sabe qué pero nada agradable.
El asunto es que soy una pintora que no tiene todo el tiempo para estar en la calle mostrando y vendiendo y por eso, mejor me olvido de intentarlo. Y ahí debiera morir esto, no? pues no se muere en mi cabeza. No puedo dejarlo ir.
Ésta no es la primera vez. Igual pasó con el antiguo "administrador" del espacio y va así: el que logra negociar con las autoridades un acuerdo para que todos se pongan ordenaditos a vender, pasa a tener un poder para seleccionar quién vende y quién no. Y dejado a su suerte en el poder, pasa lo que ya se sabe, la gente se pone irracional, por decir lo menos. Argumentan una responsabilidad y un compromiso con las autoridades -quienes a su vez son gentes incompetentes que actualmente no han sido capaces de resolver el problema básico de la recolección de basura de la ciudad- para que el lugar sea mantenido limpio y libre de drogas (un problema del pasado que les pesa). Obviamente no hay nada escrito, nada formal, y las personas que están encargadas de administrar el parque no están para explicar nada que tenga que ver con los acuerdos con la autoridad. Me pidieron que done una obra mía y un 5% de las ventas. No entregaron ningún recibo por la donación de la obra, ni tampoco darán cuenta de lo que hacen con el dinero de esas ventas. Y van a tener problemas con eso, porque es totalmente irregular recibir algo sin dar un comprobante, aquí y en la quebrada del ají. Sí anotan los pagos del porcentaje de ventas, pero obviamente no pueden saber a cuánto se vendió lo que se vendió y esto que se supone que es importante lo tratan sin ningún protocolo.
Hay varios conceptos que están errados en esta concepción de lo que es un Jardín del Arte, pero la principal, creo yo, es la idea de que es un privilegio estar vendiendo en la calle. Este concepto no logro entenderlo. Dejando ese detalle sin debatir, nos pasamos a que ese privilegio te lo tienes que ganar haciendo el sacrificio de dejar de hacer cualquier otra cosa para tener dinero. Y bajo otro principio no debatible, tampoco puedes vender reproducciones digitales de tu obra.
Es confuso porque de hecho yo creo que obviamente es un privilegio tener otras opciones de venta. Y si tener opciones es privilegio, no podría serlo también la opción de no tener opciones. ¡uf! Como cualquier otro artista, yo puedo subir mis cuadros en Saatchiart.com y vender ahí, lo que hago. Puedo buscar una galería que me quiera en Oaxaca, Colima o dónde sea y me van a tomar mi obra a concesión, porque ya lo han hecho. Puedo no estar en este parque, si quiero. Entonces, ¿cómo puede ser un privilegio para mí? ¿Tengo que pensar que los otros no tienen las mismas opciones que yo tengo porque no saben usar la internet? ¿quién no sabe usar la internet?
¿Y qué tal si lo que les hace ruido es que soy extranjera? ¿qué tal si, este es un caso de extranjerismo?
Volviendo al tema de las reproducciones. El rechazo a la venta de reproducción digital está obsoleto. Es un medio válido, digno, y comercialmente exitoso para un artista, y no es algo menor, presentar a la venta una reproducción al alcance del bolsillo de cualquiera. No, el arte no tiene que ser algo caro. ¿A quién le sirve esa idea? ¿con qué derecho limitan a los artistas? Es un prejuicio. ¿Por qué vender tan caro? Qué contradicción cuando se piensa que llevan la idea de que los artistas son unos irresponsables, drogos que no saben comportarse en la calle y necesitan una o más personas para que como un maestro o padre protector te diga dónde y cómo comportarte. Bajo el argumento de que no es posible que gente adulta, sensible y dedicada a su arte no es capaz de autogestionarse como grupo y se necesita una autoridad, dura y castigadora, un intermediario con la ciudad, para que como grupo, sean aceptados en la calle a vender. Un salvador del grupo, supuestamente, pero sin preparación alguna para comunicarse, establecer protocolos, imaginar el espacio para que sea incluyente, amable y solidario.
Me inclino por ver esto desde un punto de vista de artista local vs. artista foráneo. No es secreto que algunos maestros son celosos de su arte, de sus técnicas. Yo misma tuve que ganarme a mi maestro al estilo de Kun Fu, esperando y esperando hasta que quiera enseñarme. Por que no hay excusa, el conocimiento de las técnicas tiene que ser compartido. Y los grabadores saben eso y así son muy generosos. Pero no pasa lo mismo con los pintores. Y quizás son celosos de sus espacios también, y no los quieren compartir con extranjeras.
En el contexto de las artes visuales y su historia hay un ir y venir de posturas extremas desde los que desarrollan oficios y técnicas alejados de lo personal (artesanos y diseñadores) y los que nos volcamos hacia adentro para sacar lo más individual de lo humano. Depende de la psicología del artista y de su carácter como también del lugar donde nació. Las contradicciones que surgen entre los tímidos que hacen obra personal son interesantes. Los extrovertidos que hacen artefactos prodigiosos se llevan los aplausos. Esa fórmula funciona.
El grabador me dice y su colega lo sigue: "yo no me llamo a mí mismo artista. Yo tengo este oficio y esto es lo que hago". Y su ser único queda protegido, nunca expuesto al excrutinio del público. Lo que hace es hermoso o no, dependiendo de su técnica y maestría. Aunque su interior se cuela entre los trazos cuidados minuciosamente, ese no es el objetivo de su quehacer. Tampoco es fácil si ese es el objetivo: es más fácil, emocionalmente, dibujar un maguey. Un gatito o una chichona. Sólo hay que doblarle la mano a la materia. Doblarle la mano a las estructura mentales, a la tradición y a las creencias, es otra cosa mariposa.
Si decides ser artista, de letras o visual, significa que vas a estar en la frontera de lo social. Para crear vas a cuestionar la tradición, la religión y obviamente la autoridad. No lo digo yo, lo podemos ver en la historia de los movimientos de arts and crafts que se dieron en el mundo anglosajón. Por eso cuando una artista que se llama a sí mismo pintora va a EU, por ejemplo, se encuentra con que los gringos le dicen: ah so you are an artist! La sociedad misma te nombra. En latinoamérica hay como un pudor, una especie de vergüenza de la palabra. Acá en Oaxaca ni Toledo quería llamarse artista y lo matizaba con el apellido "visual". ¿Para qué o por qué? Y se han visto personajes muy tóxicos que se llaman a sí mismos artistas que han dado mala fama al nombre. Desde los que encuentran objetos y los ordenan por color y forma y así por el estilo.
Llamarse artista significa que tu carácter tiene que estar firme frente al instinto natural de la sociedad de aislar al que es diferente. Mientras menos civilizado el espectador, menos entiende el valor del humano que busca una nueva forma de ver el mundo. Si eliges ponerte una bata de doctor o un uniforme de bombero la aceptación y el amor van a fluir hacia tí. Si tomas la pluma y el pincel y te adentras al abismo de lo desconocido, cuando al principio tu obra no va a mostrar belleza porque para hacer algo nuevo y bello se requiere mucho tiempo; siendo así las cosas, como tu quehacer como artista no dará frutos en un buen tiempo, será tu carácter, y propia retroalimentación y con suerte tus colegas solamente, lo que va a sostenerte emocionalmente.
Hay un elemento de "váyanse todos a la mierda" que no puede faltar en el artista. Es necesario si la presión por unifromarte se siente muy fuerte. Por supuesto que está el otro lado de la moneda que es el que te jala hacia hacer cosas para complacer. En nombre de este concepto tan ninguneado como poco analizado, se siente una atracción por hacer arte feo para librarnos de parecer una señora que pinta los domingos. Y cuando se pone de moda el arte feo y lo haces por complacer, entonces no sabemos ya, quién se está llendo a la mierda.
educada en cosas que parecen innecesarias. controlada o dirigida por el cuerpo animal.
animal que hace lo que le toca hacer: cuidar, proteger. hacer nido. una y otra vez.
la humana que no cesa de producir obra. la artista que no puede ni quiere dejar de rezarle a su diosa la señora la reina que todo lo sabe quien ve todo al mismo tiempo que no es nada más que una muñeca imaginaria. la que nunca tuvo y que iba a ser el objeto de todo su amor y devoción.
la alumna que no llega a la lección y el encuentro que no sucede.
la vida y lo que no sucede. lo que no existe.
antes se decía que los pintores pintan lo que no se puede ver. sigue siendo cierto. solo que ahora sabemos que efectivamente nada de eso existe. en ninguna parte. nunca existió. ninguna virgen ni ningún cristo. no existieron. son cuentos. para niños. hasta está en videos de comediantes.
andamos con esta idea de que no queremos ofender. y sin embargo sospecho que es una manera de regular la velocidad en que vamos madurando. esta especie maravillosa y pendeja.
La vida de una migrante. Chile Estados Unidos y Mexico. Cómo llegué a vivir a Oaxaca. Una extranjera mexicana en Oaxaca.Vida amor y pintura. The Mexican dream. El sueño mexicano. Cualquiera puede convertirse en artista. El nido vacío se transforma en taller. La transformación. Del trabajo administrativo a la pintura. De vivir para la familia a vivir para pintar. El nacimiento de una artista en México. Mi primer taller en Oaxaca. Despertar de una señora extranjera.
Arte fantástico que es el encuentro entre lo conocido y lo desconocido.
El viaje de cada cuadro. La exploración que no es repetición de fórmula sino descubrimiento.
Hedonismo. Cannabis y la pintura. Mientras las políticos se ponen de acuerdo y la sociedad aprende a informarse yo fumo para la melancolía y la ansiedad frente a la carencia de certezas. Apagar a la señora dramática y darle forma a la nueva mujer artista.
Play the game of belief. Belief in myself.
La primera exposición individual después de 10 años de haber decidido, a los 50, que la pintura sería mi carrera. El año 2023 seré emergente a los 60. 10 años de menopausia y reconstrucción de vida emocional después de que los hijos partieron al norte. 2 nietas después. Abuela ausente. Abuela artista. El camino de la familia vs el camino de la artista. El manejo del tiempo para el camino traditional de la crianza vs el tiempo de la pintura para lo personal.
Lo que toca es la retrospectiva. Mirar y ver lo logrado en los primero 10 años. La artista necesita una validación y no hay engaño en pedirla.
La 1a exposición individual significa mucho para mí. Después de 10 años de pintar regularmente puedo decir que ocurrió lo que yo esperaba que ocurriera. Eso es, poder decir que soy pintora sin ningún titubeo. Siento que eso ya quedó claro. Hay que recordar siempre lo difícil que es comenzar en la pintura. Como maestra yo lo tengo muy claro: un principiante necesita validación. Hasta ahora yo me la he medio que ganado en el mercado. Durante todo este tiempo he podido vender mis pinturas y así comprar materiales. Siento que la gente me devuelve por mi esfuerzo y que más puede querer una que dinero para seguir pintando. Por ahora el tiempo para pintar lo compro trabajando medio tiempo por dinero. Igual que Rulfo vendiendo neumáticos. Sin pedirle nada a nadie.Estos 10 años me han probado que se puede ser pintora si una organiza las prioridades y que eso no es lo mismo que obtener reconocimientos. Para los reconocimientos institucionales hay que armar un cuento para otros. A lo que voy es que no depende de lo que pinto, la exposición individual no depende de mí. Y por eso no me he enfocado en eso. No voy a pagarla tampoco. Y es que sobretodo entiendo el mercado. Las galerías no van a hacer una individual de una pintora mayor extranjera. Es un nicho demasiado pequeño. Un nicho localizable mucho más rápido por medio de la internet. Y ese es el camino que yo he seguido hasta ahora.Pero...me jalan cosas como la investigación académica y la farándula. Me jala el tablao jaja.Así que por eso hago este ejercicio de tocar la puerta para un espacio para presentar mis obras. Están hechas con todo mi amor por México. Por todo lo que le debo. Yo solo quiero compartir mi amor. Aquí en Oaxaca la tierra de mi pareja amada y adorada, el matemático y escritor Quique Ruiz. La razón de porqué estoy acá y no allá.Y bueno.Como no me voy a ganar este premio aquí de pilón, my 2 cents para lo que pueda servir:El premio se lo tiene que ganar una mujer en los 40 o mayor. Como mínimo. Obvio de Oaxaca pero estaría chido que fuera de Tabasco o la costa Chica. Super correcto!Y para nada lo digo con ironía. Hay que hacer la chamba de reparación.
Yo les propongo a alguien con estas características. Se llama Ingrid Saenz. Es grabadora. Y su obra es emocionante. Pero más que eso, y lo que yo creo importante hoy más que nunca: necesitamos ejemplos de mujeres como ella. Su trabajo en la costa chica... puro amor del bueno.
A partir de este ejercicio me puse a pensar sobre la belleza, y que si considero que al parecer puedo hacer algo bastante bello, entonces ¿por qué no hacer todos mis cuadros con esa meta? me di cuenta que constantemente dudo sobre qué tan placentero quiero hacer la imagen. por un lado pienso que quiero incorporar la pincelada suelta e impresionista y por otro el proceso clásico de modelado se impone. cada vez compruebo esta cuestión: cuando dudo sobre si ya quedó, es porque aún le falta.
Tocando la puerta de las galerías.
Fui a este lugar que se llama La casa mágica (para no balconear). hermoso, lleno de artesanías y arte. Fui con tres cuadros chiquitos para ofrecerlos para alguna colectiva o algo así. yo con ideas sobre lo que es la tienda. pensando es una galería que tiene como la mezcla perfecta entre lo que es artesanía y lo que es arte, como que logra un vínculo bien equilibrado, armonioso, donde ni el arte está por sobre la artesanía, ni ésta está tan lejana de ese arte que cuenta de la cultura de acá. la gráfica adaptada ya, la pintura en el tema de lo mágico mitologizado. mitificada la artesanía, mitificado el artista. de eso poco a poco me voy dando cuenta mientras converso, acá platico, con el dueño que es el hijo, joven y seguro de sí mismo, del que creó esta galería, que no gusta del arte personal, o que tal vez no lo ha descubierto aún. y la galería no va de eso. va de lo tradicional. Daniel me dice que se nota que le falta algo a mi pintura, me da entender. y es que yo he ido a ofrecer algo, y no le encanta. no tiene porqué gustarle, pero yo me la había jugado por que sí y ya estamos en la parte en que él está criticando mi obra. ¿cómo llegamos ahí? ¿por qué me puse en ese lugar? si yo ni hago el tema de la magia. Pues porque hay que ir a las galerías para encontrar un lugar donde mostrar. es lo que hacen los artistas. no puedo hacer todo esto y dejarlo guardado. o sí, claro que puedo, pero no quiero. lo que quiero es que acepten mi arte. que se venda y yo pueda pagar las cuentas y algo más con eso.
Tratando de ir más allá de sentirme como una novia abandonada en el altar, creo que podría concluir que hay que averiguar un poco bastante más sobre la galería antes de lanzarse así a una reunión en persona en frío. lo loco es que al final tuvo que reconocer que le gustaba, mirando toda la obra que tengo en Saatchi Art, ahí frente a la pantalla que se empezó a divertir con mi obra, y la pudo ver hasta el punto en que se podría haber interesado por una. pero este formato en que la gente pasa y le ofrece cosas es diario, me dice, y luego me dice que a él le gustan los muralistas. lo indigenista, y usa esa palabra. los cuadros que yo vendía el 2019, con jóvenes con rasgos latinos. eso le gustó. hace algunas distinciones entre lo que es un personaje y lo que es una persona real. yo le digo, son todos personajes. me dice no se entiende de qué va, para dónde va la idea. le digo que yo tampoco sé. le digo que se trata de que él vea lo que se le ocurre. le explico que yo hago algo personal. es surreal porque no hay más donde ponerlo, pero en realidad es fantasía. puedo hacerla le digo, porque tengo otro trabajo para pagar las cuentas, tengo dinero por las clases de inglés, le explico, digo que por suerte no me apura vender, y me dice: a lo mejor por eso es que no siente que haya llegado a un lugar. y que me exalto y le pregunto si el cree que si yo dejara mi chamba y me dedicara 100% a pintar sin pensar de qué voy a vivir, así mi obra se vería más sólida? eso es un mito, le digo, yo, this old lady, a este joven que colecciona arte también, pero no tiene idea de lo que significa ser artista. tiene una idea mágica del arte, de eso me percato, y no tiene nada que ver con lo que yo hago.
you wanna say this is art? fine with me. i have no problem with you calling this, art. I love this. I love seeing this every time i work out the colors for a painting. this is my palette, this is how i tryout colors and decide about them.
I love this image. there was a lot of glare though. shining spots. I could even see the carrizo reflected in the transparent barnizeta. the sun, shining all the way to my eyes through a series of surfaces and colors, some reflecting some absorbing the sun like they are supposed to.
Chemistry, the knowledge of our ancestors, is right there in that ceramic tile that i use for mixing colors. a tile i picked up from the street! i love when i can do that.
cuando en una exposición de arte, un artista presenta esto en una tela o una madera o cualquier superficie en realidad, para mí, se trata de la química, los materiales. los humanos, y su alquimia. los materiales y sus posibilidades son aquí lo que son y nada más. y entiendo que un artista quiera decir "esto es lo que hay".
como cuando se pintaba el atelier, lugar tan importante, una habitación propia, right? el laboratorio en el cual hay que vivir para producir algo que realmente nos sorprenda y conecte, alcance en lo más bonito.
so, beauty in the ugly. how can you possibly separate them? artists that present work that points to the chronicle of the trade, can hope for a metaphor on life. They might be counting on associations in our mind that can't be stopped, as neuro-aesthetics show in brilliant silent colors.
Art happens between two or more: una ecuación de uno con todos donde todos no incluye a uno. your art is complete when there is the other looking at what you did. the object of art, material or abstract, is the tool to touch others, to show to others ideas. that much we know for sure. and that touching happens with figurative and abstract art, equally. abstract is not more about the essence of things than figurative art is. and yet, some people insist that abstract art is more about the essence of things than figurative is.
Pero, ¿se le puede llamar a esto, arte abstracto? como que le faltaría un poco más de intensión, no? así simplemente, es una crónica del pintor, una foto de una paleta. un recuento del quehacer.
we will never agree on a definition of art cause subjectivity is unavoidable.
Sometimes, she takes the opposite position, this woman in my head. She attacks me. she says that i paint figurative art because i have to control everything and i can't let loose and that i don't understand that figurative art is out, for ever, muerta la figuración. she has this lineal understanding of art that goes from some very humane but pathetic, i guess, moment of portraits, landscapes, symbols, alegorías, personal or not, all that fantasy figurative narratives... all of that, ends in puro color, pure presence. the history of art that finishes with abstract art. the story that there is nothing else to do, that it's all done, nothing new under the sun negative mentality. another argument against creativity. creativity as in the process of discovering thru trial and error subjective, personal images that serve some kind of psycho-magical purpose, has nothing to do with art these days. art should be about art, is the new thing.
I was taught something like that, or at least i misunderstood it like that. thinking that abstract is purer, more international, universal, impersonal, truer and all that nonsense. I have talked about this in my analysis of El cálculo pictórico, de Pancho Méndez. The result is that i was embarrassed by my taste for the figurative. my illustrative tendencies, my love for narratives dismissed. I had to fight so much in me to be able to start painting after that stupid idea that figurative art is less. Less what? it makes no sense now. I can see now that it was my responsibility to say fuck to that. Or not: when you are growing up and learning, isn't it the teacher's responsibility to open up roads instead of narrowing down everything to just one truth?
Sometimes I think contemporary art, videos, installations and performances abide in this realm of the assumption of superiority. Cause self righteousness just needs to present itself in different forms, renewed, disguised. again and again. how to give value to something? present it as the best new thing, sell it as unique, believe that it is some kind of evolutionary thing. oh yes, just like new age religions. just like the latest tech gadget that you have to have.
There has been an imposition, but as always happens, it takes two to tango, no?
I am not angry anymore. I know I can't blame others for my late coming into art. I needed to be older I guess, to say fuck to all. not so much rage now. not feeling frustrated anymore. i think learning about the history of art until now helps me understand what I'm doing. obviously I am not outside of art. And I think we women, do not have to throw the baby with the bathwater. I will take the classics and do whatever I like with those codes.
Once I did that, understand that there is no right or wrong, I could clearly see that all that has happened to art, is good. there is nothing that wasn't a movement towards something more inclusive, more domestic, more industrial, or whatever, and therefore more accessible. yes. because everybody can do art now. it was made clear that it is not about talent, not about beauty and not about reality, even though there always be examples of that art, and people that would do that art. but art is also process. and being a crackass. and an asshole, or a thief.
anything can be called art, and with that we enter in the sphere of subjectivity like never before. so, if art is about subjectivity then what could possibly be better to make sure nothing is left out due to normatism, romanticism or whatever cursi idea you have about art... then finally we have reached the point where anybody can access the experience of doing something creatively.
why is this important? why is it important to create, to think on something totally new for others, or maybe more importantly, new for you by you. why is it important to be able to have the time to create? why is it important to live the process of inventing something that was not there before. that was reserved to the Gods and goddesses by the way.
can we really create something new? what is our role in this world? aren't we supposed to create a life for us? are we here only to exploit the planet and create pain, or are we here for something else?
this question cannot be answered. but we can try some answers, right? or are we so lazy that we don't care? or too afraid to be rejected, spelled, bullied by those internal voices?
