Proyecto 2. Pulquería La Xochitl.

¡esa escalera era tremenda! los peldaños o como se diga estaban inclinados y sólo podía estar parada en ese canto por 15 minutos y luego tenía que bajarme y tomarme un pulquecito, y así... :-)

Para la próxima sesión los colores.

Fotografía: Iralia Valdés

Pulquería La Xochitl 

Bitácora. Proyecto 2. Mayahuel para la pulquería Xochitl en Sta. María La Ribera..

 

La idea es hacer una mayahuel dentro de una flor para uno de los muros de La Xochitl, la pulquería que nos queda a 20 minutos caminando de Tlatelolco a la Sta. María. Es una pulquería con un techo muy alto y no tiene ninguna decoración. Irresistible. Mayahuel la trabajaré en una tela y luego la digitalizaré para resolver el asunto más gráficamente en el computador.

Mayahuel como madre proveedora, su miel es alimento, el maguey y su cuerpo unidos para darnos placer, suave embriaguez, fantástica. Conejita traviesa que sabe lo que es bueno.

Aún no me convence la idea de que su cara esté enmascarada, pero quería romper el realismo para evocar los poderes femeninos de una diosa o una heroína.

 

La flor rodeando a Mayahuel la hice en Photoshop. El ícono de xochitl = flor lo encontré en la imagen de un códice en la internet. El fondo amarillo es similar al de la pulquería. La imagen está lista para pasarla al muro de la pulquería, pero yo no estoy lista para hacer algo que es tradición en este país: la apropiación de los muros de abrevadero por el pintor local. Quizás con un litro de blanco  me anime la semana que viene. O un curado de guayaba.

 

Mientras, sigo trabajando esta tela, en su camino hacia una pintura que aún no sé cómo resolver en cuanto a fondo, a su cara, y cabeza. El trabajo del cuerpo me dejó bastante satisfecha. Trabajé por partes del cuerpo para no apurarme, es decir, con sombra natural primero sobando desde los bordes hacia la luz. Descubro una y otra vez que no me gusta el realismo, que prefiero el cuerpo plano y muy iluminado. No me gustan las sombras y por ende la mujer flota. Los recursos del naturalismo no me satisfacen porque las sombras no me interesan. O no me interesan las sombras porque no me interesa el realismo. Es igual. Hay problemas que resolver a causa de esa preferencia. Me siento un poco acorralada con este predicamento. Esta parte de este proyecto tampoco no ha terminado.

Y así quedó...

Arte Urbano - Proyecto Rotoplas

El arte contemporáneo ha logrado conservar el halo de misterio del que siempre quiere desprenderse. Por medio de la proliferación constante de discursos, su heterogeneidad aumenta como un virus mutante y así al principio del siglo XXI, nos seguimos preguntando: ¿qué es el arte?

La incomodidad con toda esta heterogeneidad es comparable a lo que le pasa a Augé con lo que él llama “la experiencia de no-lugar”[1]. Y es que la percepción de la aceleración de la historia que se explica con el exceso de avances tecnológicos; y la experiencia del achicamiento del planeta que no es otra cosa que el exceso de transporte e información; son asuntos que en los países desarrollados se han vuelto abrumadores. A este extrañamiento es a lo que Augé apunta y es por medio de nombrar esta experiencia del que ha vivido un cambio radical en la experiencia de habitar, de vivir en el mundo, es que quiere “recuperar el suelo” de su experiencia pasada.

En otra escala, es similar a lo que experimentan turistas o migrantes que habiendo vivido gran parte de su vida en una cultura homogénea en cuanto a idioma, colores de piel, comidas y costumbres sociales, se trasladan a otro donde todo eso es distinto y entonces concluyen que lo nuevo es una experiencia mala e incluso maligna, solamente porque les es extraña.

El mundo del arte sigue cambiando, se repuebla de formas y actividades extrañas, es un tránsito imparable y abrumador[2], y se perpetúa igual que lo hacía cuando sólo constaba de artefactos que causaban maravilla y asombro, solo que esta vez no lo hace en calidad de objeto sino en calidad de fenómeno, de acontecimiento institucionalizado incorporado al sistema.

A pesar de los intentos de EXPANDIRSE[3] (el campo expandido se genera problematizando la serie de oposiciones entre las que se encuentra la categoría modernista de escultura), DESACRALIZARSE[4] (a partir de la matanza de Tlatelolco la rabia y desconfianza se dirige hacia la desacralización del objeto artístico y del artista y hacia los sistemas de distribución y comercialización, es decir, las galerías, concursos, apoyos oficiales); POLARIZARSE y hasta DESMATERIALIZARSE[5] (por un lado está la recuperación del objeto tradicional: arte povera, procesual, ecológico o land art, y por otro la desmaterialización del objeto por medio del arte conceptual); en un mundo regido por leyes financieras, el arte no tiene problemas en volverse utilitario y MERCANTILIZARSE[6] como nunca en su historia, y así seguir existiendo.

El que nos sigamos preguntando ¿qué es el arte?, es un aliciente para concluir que sigue siendo un espacio abierto, con caminos desconocidos por explorar,  un lugar de descubrimiento para el ser humano, de la misma manera que lo sigue siendo la literatura y la ciencia. Y hay de dos sopas para los artistas: pueden replegarse o, unirse al fenómeno. ¿Qué implicaría esta unión? Esto dice Anthony Julius respecto de las consecuencias del fenómeno posmoderno: “El mundo artístico de hoy circula una pluralidad de estética, una multiplicidad de prácticas artísticas. Aunque algunas son más fértiles y crean más obras nuevas que otras, ninguna tiene prioridad reconocida sobre las demás. No existen principios acordados con los que se puedan crear y juzgar obras de arte; no existe una estética aglutinante en la que puedan refugiarse las obras y su público. Esto es una consecuencia, en parte, de la propia estética transgresora. Es, en cierto sentido, tanto una estética como una antiestética.”^[7]  Unirse al fenómeno, entonces, implica entrar en un campo expandido de la belleza que también puede verse como el campo relativizado de la belleza.

A partir de los preceptos del arte contemporáneo que voy a resumir en pocas palabras como el deseo de comentar o ironizar, en un objeto liberado de disciplina y más parecido a un gesto que teje un vínculo entre arte y vida cotidiana, es que propongo el Proyecto Rotoplas, del que anexo dos proyectos de obras como comienzo de un trabajo escultórico donde la escultura está pensada como recipiente, retomando a Gabriel Orozco, donde el tinaco de agua de las azoteas de la ciudad es lienzo que establece un diálogo con los que ven estos objetos a diario desde sus hogares. Así queda “trastocada” esta imposición visual que son los recipientes de agua en la ciudad, que son también analogía con la pintura tradicional que se impone y quiere “convencer de algo”. El objeto no se sitúa en una galería, ni bienal ni espacio cultural, sino que se inscribe en el espacio urbano. Este proyecto sería mercantilizable y por tanto legitimizable como arte, según Peraza Josu Iturbe. Esto se podría llevar a cabo por una vía de conjunción entre programas municipales de fomento al arte y participación empresarial.

En la línea de Betsabée Romero quien en su trabajo se refiere a la cultura mexicana y a los roles que las mujeres juegan en la creación de objetos “folklóricos”, es que se sitúa el proyecto “Tinacos bordados” (ver anexo). La idea es transformar, como lo hace Romero con los neumáticos, estos artículos tan carentes de diseño que son los tinacos, en piezas artísticas, en el marco de la disolución de la diferencia entre arte culto e inculto (high and low art).

El proyecto “Tinaco Vader” (ver anexo) es una propuesta visual un poco más compleja, que juega e ironiza el arte contemporáneo actual, desde un elemento prefabricado e industrial, intervenido y descontextualizado con una referencia a la cultura popular del cine, en este caso la figura de Darth Vader. La intervención consiste en aludir al lado oscuro del arte contemporáneo sin caer en dramatismos sino recurriendo al humor como forma de comentario sobre la situación del arte contemporáneo de México. Hay una connotación a la muerte, como una plaga, que se extiende por la ciudad que es una analogía a la situación de la violencia y reino del terror que se cierne sobre los mexicanos, junto con ser una analogía también a la invasión de la cultura americana del entretenimiento que está asfixiando al cine mexicano.

El proyecto Rotoplas se puede llevar a cabo como un happening, o actividad cultural al aire libre, realizado por jóvenes del barrio elegido y patrocinado por “corporaciones mexicanas que tengan inquietud e interés en relación con el patrimonio cultural, la creación artística contemporánea y el entorno público urbano”, las cuales, tal cual lo explica  Osvaldo Sánchez[8], “aún no han cuajado como parte de un programa filantrópico claro con objetivos sociales” en México.

Para articular mi ambigüedad frente a este proyecto Rotoplas, y dejarlo abierto a discusión, presento aquí otros argumentos sobre este proyecto:

Final 1: El proyecto Rotoplas es arte ficción, es decir, es una fantasía que podría ser posible en un futuro cuando las políticas públicas de este país incorporen la noción de que el arte urbano trae beneficios a la población. Idealmente este proyecto surgiría a partir de una especie de multa imputable a las empresas que lucran a costa del deterioro o contaminación visual del paisaje urbano, como los son Rotoplas o Dish, y pagable en especia artística. Estas empresas se verían obligadas a crear una solución plástica a sus productos que aporte al horizonte urbano, y que sería aprobada o rechazada por un comité municipal de arte urbano. Y es que en un mundo así de fantástico existirían regulaciones a la contaminación del horizonte urbano por los que no son dueños de las propiedades en donde se instalan.

El proyecto Rotoplas se inscribe dentro de una definición del arte que no hace distingos entre high art y low art, o entre arte de galerías y bienales, y arte de la calle y es por ello que también puede estar financiado directamente por el Estado desde sus presupuestos para el arte.

Final 2: El proyecto Rotoplas no es arte de ningún tipo, es una propuesta de solución a problemas sociales como es la descomposición del tejido social, que se ve reflejado en conductas individualistas y desinterés por el entorno en que vivimos. El proyecto acoge la necesidad de creación de territorios por parte de los jóvenes que se sienten excluidos de un sistema que no les brinda espacio para sus actividades de juego y competencia. Agruparse, diferenciarse y echar retas es propio de la juventud y los tinacos pueden representar un campo de batalla, liberando los muros de la calle, para la expresión de los jóvenes. El proyecto estaría financiado por presupuestos avocados al desarrollo social y a la prevención de delincuencia en personas en situación de riesgo. El hecho de que los trabajos sobre los tinacos sean trabajos plásticos no significa que puedan ser catalogados de arte o considerados como tal.

Final 3: El proyecto Rotoplas es una amalgama entre producción artística y trabajo social en un contexto en que tratar de distinguir o considerar por separado estos dos quehaceres es contribuyente a la desintegración social actual. Las especializaciones establecidas según instituciones como la academia o el gobierno, la separación entre actividad artística y vida social, de la manera que sea, por la razones que sean, es algo que se puede seguir haciendo hasta el cansancio en ciertos círculos en que el dinero abunda para entretener todo tipo de excentricidades. Relacionar arte y exclusividad, arte y priviliegio es la prerrogativa de un grupo elite. Quién no quiere ser un artista "descubierto", todos queremos una beca de un grupo millonario. 

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[1] Marc Augé, Los no lugares, Espacios del anonimato Gedisa, Barcelona, 1992

[2] Jorge Alberto Manrique, Arte y artistas mexicanos del siglo XX, Conaculta, México, 2000, p.71.

[3] Rosalind Krauss, La Escultura en el campo expandido, ensayo que aparece en Foster Hal, La Posmodernidad, Barcelons Kairós, 1985: El escrito se publicó inicialmente en October 8, 1979.

[4]Itzel Vargas, Disertaciones sobre el sentido de la práctica escultórica, Del geometrismo a los discursos actuales. Escultura Mexicana, de la Academia a la Instalación, México, Conaculta-INBA, 2001, pp 339-352.

[5] Idem

[6] Miguel Peraza Josu Iturbe, El arte del mercado en arte, Porrúa, México, 2008

[7] Anthony Julius, Transgresiones, El arte como provocación, 2002, Destino, Madrid, pp.11-12.

[8] Osvaldo Sánchez, Hablando en plata. El arte como inversión (Landucci Editores)