Sobre el proceso que sigo para llegar a los colores finales.

Hay muchos pasos previos porque no tengo una idea de los colores a los que quiero llegar. los colores no se pueden visualizar imaginándolos. es imposible. podría decidir de antemano qué colorido haré, pero no me gusta hacer eso, porque entonces siento que estoy haciendo artesanía. 

para mí esa es la gran diferencia entre artesanía o diseño, y la pintura que hago.

el objetivo de todo el ejercicio es jugar un juego de construir algo que me sorprenderá, que me dejará por un rato satisfecha de haber hecho algo que no me esperaba tuviera un resultado agradable. Pinto con el mismo proceso que cuentan algunos escritores, que comienzan con una idea vaga, pero que a medida que escriben la historia, la trama y los personajes van tomando vida propia.

por todo lo anterior, puedo elegir llegar al colorido final por medio del azar, por ejemplo, o por medio de la prueba y el error, o por medio de la copia de un color existente en una impresión, o algún pantón o patrón, o como copia de lo que hay en el paisaje o en un cuerpo humano, etc. 

cada pintora tiene que decidir cómo lo hace. y si la manera para llegar al color se repite en cada cuadro, entonces es muy fácil reconocerlos como de un sólo autor. si una como pintora quiere tener "un estilo", esta es una manera de lograrlo. el color es lo primero que captamos en una imágen, no tengo estudios en eso, pero mi experiencia es suficiente para esta decisión. así veo yo, pues así voy a pintar. el color es definitivamente un área de la pintura que podría estudiarse a fondo, en conjunto con la psicología, por todos sus aspectos subjetivos dentro de una cierta objetividad, es decir en relación a imaginarios culturales, locales, sociales, históricos, etc. los colores están asociados a lugares y ánimos tradicionalmente, también con asuntos espirituales, rituales y de modas. 

entonces, mi proceso para llegar al color final pasa primero por determinar el dibujo y la composición. la forma contiene al color por lo menos en un inicio. si luego a todo o a un subconjunto se le aplica una película, o glaze, o veladura, la imagen puede dar un vuelco inesperado.

parto por la forma que será la trama donde se ordenará el color. es un dibujo. eso lo hago con un solo color, es una línea. esa es la base, en todo las imágenes que hago, de las formas. antes de pensar en el color, pienso en blanco y negro, donde negro es una línea. creo que empezar una pintura de esa manera es signo de una planeación detallada lo cual no puede ser sino mejor que hacer las cosas al lote. no me gusta dejar al azar la composición porque entonces cuando estoy en la etapa posterior de color, es muy costoso hacer correcciones, y nunca queda tan bien. 

debo decir que esto es en teoría, porque aún no logro dejar finalizada una imagen desde el dibujo y el claro-oscuro antes de pasar a dar color. Siempre ha sido el caso que he tenido que corregir algo en el dibujo que simplemente no se veía armónica una vez que pongo el color. 

una ecuación de uno con todos donde todos no incluye a uno.

 

you wanna say this is art? fine with me. i have no problem with you calling this, art. I love this. I love seeing this every time i work out the colors for a painting. this is my palette, this is how i tryout colors and decide about them. 

I love this image. there was a lot of glare though. shining spots. I could even see the carrizo reflected in the transparent barnizeta. the sun, shining all the way to my eyes through a series of surfaces and colors, some reflecting some absorbing the sun like they are supposed to.

Chemistry, the knowledge of our ancestors, is right there in that ceramic tile that i use for mixing colors. a tile i picked up from the street! i love when i can do that.

cuando en una exposición de arte, un artista presenta esto en una tela o una madera o cualquier superficie en realidad, para mí, se trata de la química, los materiales. los humanos, y su alquimia. los materiales y sus posibilidades son aquí lo que son y nada más. y entiendo que un artista quiera decir "esto es lo que hay".

como cuando se pintaba el atelier, lugar tan importante, una habitación propia, right? el laboratorio en el cual hay que vivir para producir algo que realmente nos sorprenda y conecte, alcance en lo más bonito. 

so, beauty in the ugly. how can you possibly separate them? artists that present work that points to the chronicle of the trade, can hope for a metaphor on life. They might be counting on associations in our mind that can't be stopped, as neuro-aesthetics show in brilliant silent colors. 

Art happens between two or more: una ecuación de uno con todos donde todos no incluye a uno. your art is complete when there is the other looking at what you did. the object of art, material or abstract, is the tool to touch others, to show to others ideas. that much we know for sure. and that touching happens with figurative and abstract art, equally. abstract is not more about the essence of things than figurative art is. and yet, some people insist that abstract art is more about the essence of things than figurative is.

Pero, ¿se le puede llamar a esto, arte abstracto? como que le faltaría un poco más de intensión, no? así simplemente, es una crónica del pintor, una foto de una paleta. un recuento del quehacer. 

we will never agree on a definition of art cause subjectivity is unavoidable.

i say all this cause there is a conversation in my head where there is a woman that is always making comments about this kind of art. 

as if they don't mean anything, these works are just BS. those gestural, abstract, a lot of accidents and surprises are some sort of scam to her. famous painters made, make, a lot of money with these happenings. so be it, i am not in the position to say they shouldn't. The reason why I prefer human bodies is a matter of personal taste. what is much more interesting to me, does not have to be interesting to you. and viceversa. what can we say of art that does not touch us? nothing. let there be all kinds of art.

Sometimes, she takes the opposite position, this woman in my head. She attacks me. she says that i paint figurative art because i have to control everything and i can't let loose and that i don't understand that figurative art is out, for ever, muerta la figuración. she has this lineal understanding of art that goes from some very humane but pathetic, i guess, moment of portraits, landscapes, symbols, alegorías, personal or not, all that fantasy figurative narratives... all of that, ends in puro color, pure presence. the history of art that finishes with abstract art. the story that there is nothing else to do, that it's all done, nothing new under the sun negative mentality. another argument against creativity. creativity as in the process of discovering thru trial and error subjective, personal images that serve some kind of psycho-magical purpose, has nothing to do with art these days. art should be about art, is the new thing.

I was taught something like that, or at least i misunderstood it like that. thinking that abstract is purer, more international, universal, impersonal, truer and all that nonsense. I have talked about this in my analysis of El cálculo pictórico, de Pancho Méndez. The result is that i was embarrassed by my taste for the figurative. my illustrative tendencies, my love for narratives dismissed. I had to fight so much in me to be able to start painting after that stupid idea that figurative art is less. Less what? it makes no sense now. I can see now that it was my responsibility to say fuck to that. Or not: when you are growing up and learning, isn't it the teacher's responsibility to open up roads instead of narrowing down everything to just one truth?

Sometimes I think contemporary art, videos, installations and performances abide in this realm of the assumption of superiority. Cause self righteousness just needs to present itself in different forms, renewed, disguised. again and again. how to give value to something? present it as the best new thing, sell it as unique, believe that it is some kind of evolutionary thing. oh yes, just like new age religions. just like the latest tech gadget that you have to have.  

There has been an imposition, but as always happens, it takes two to tango, no?

I am not angry anymore. I know I can't blame others for my late coming into art. I needed to be older I guess, to say fuck to all. not so much rage now. not feeling frustrated anymore. i think learning about the history of art until now helps me understand what I'm doing. obviously I am not outside of art. And I think we women, do not have to throw the baby with the bathwater. I will take the classics and do whatever I like with those codes.

Once I did that, understand that there is no right or wrong, I could clearly see that all that has happened to art, is good. there is nothing that wasn't a movement towards something more inclusive, more domestic, more industrial, or whatever, and therefore more accessible. yes. because everybody can do art now. it was made clear that it is not about talent, not about beauty and not about reality, even though there always be examples of that art, and people that would do that art. but art is also process. and being a crackass. and an asshole, or a thief. 

anything can be called art, and with that we enter in the sphere of subjectivity like never before. so, if art is about subjectivity then what could possibly be better to make sure nothing is left out due to normatism, romanticism or whatever cursi idea you have about art... then finally we have reached the point where anybody can access the experience of doing something creatively. 

why is this important? why is it important to create, to think on something totally new for others, or maybe more importantly, new for you by you. why is it important to be able to have the time to create? why is it important to live the process of inventing something that was not there before. that was reserved to the Gods and goddesses by the way. 

can we really create something new? what is our role in this world? aren't we supposed to create a life for us? are we here only to exploit the planet and create pain, or are we here for something else?

this question cannot be answered. but we can try some answers, right? or are we so lazy that we don't care? or too afraid to be rejected, spelled, bullied by those internal voices?

 Only art can replace old mythologies. -Nietzsche

la verdad y el arte

No existe la verdad en la pintura. 

La verdad es una relación entre la realidad y un enunciado acerca de ella. 

La pintura ya no está obligada a contar lo real. 

Tenemos la mente y las emociones, y esos son los recursos para inventar una narrativa. 

No hay dios ni dioses ni musas ni esencia universal ni conciencia colectiva ni nada que canalizar como si fuésemos marionetas o devotos. 

No hay que traer una presencia, porque no existen los fantasmas ni los seres de otras dimensiones.

Cuando no se tienen creencias religiosas se entiende que se tiene infinitas posibilidades de creación y ya no se está buscando algo especial. 

Con toda su historia y vivencias y en el marco de la historia del arte, si así lo desea, se construirá un mundo visual único por ser subjetivo. 

En la pintura dejamos nuestro propio gusto y nuestra maestría. 

La subjetividad es lo que queda observable en la obra. No hay esencia, no hay pureza, no existe una verdad a la cual acercarse. Es una puesta en escena, un constructo hecho de materia e imaginación. 

En el arte la mujer puede entrenarse a validar su subjetividad. Es el espacio libre de las fuerzas de la uniformidad, el rigor científico, la lógica. 

tema

Las relaciones. A veces hay más gente pero el centro es dual. 
A veces otras personas nos ven mejor de lo que nosotros nos vemos a nosotros mismos. Nuestro punto ciego en el mundo somos nosotras mismas. Es un hecho. No es ninguna weá espiritualosa de trova.

Y "el otro" del que hasta los filósofos hablan mamonamente es el que tenemos al lado. Con quien convivimos. Esa otra persona nos puede ver en lo que importa mucho. Nuestras acciones. Pero, no se puede realmente cachar qué siente el otro todo el tiempo. Porque siempre llevamos anteojos. Así las cosas.  
Esa mirada busca patrones; recolectar información, hacer juicios y mira con amor o resentimiento, y responde acorde a esa interpretación. La respuesta a nuestras acciones nos va definiendo.

La primera mirada que recibimos es la de nuestra madre, si somos mujeres esa va a pesar más. y para los hombres, su padre. Ellos nos dicen cómo somos. El espejo compite con esas visiones. uno corrobora o desmiente, miente inventa rediseña esa imposición. A veces el espejo parece cruel al lado de una mirada amorosa. o al revés, el espejo nos muestra una mejor cara que la que nos dijeron que teníamos. Pero el espejo sólo nos devuelve nuestra mirada que tiene anteojos. En algunos casos la propia visión está desequilibrada hacia una visión de nosotras mismas que fue diseñada por nuestros progenitores; eres una princesa, eres una egoísta, eres desordenada, mala, eres buena, eres tonta o inteligente, bonita o feo o nada, silencio, pero con esa te quedas para siempre. o no.
Creamos nuestra propia visión o a veces logramos aunar las dos visiones y tener una visión de nosotras más compleja. Tenemos una dualidad ahí dentro, y luego multiplicidad. Vamos acumulando las impresiones de otros, y acumulamos varias nociones de nosotras mismas, la buena la mala, la rara, la loca, la santurrona, espiritual, y así. Es un hecho que mis amigas del colegio privado de señoritas de familia de derecha conservadora no me ven igual que me ven mis amigas recientes, artistas, madres solas independientes. Soy dos personas muy diferentes. y qué decir de mi grupo de amigas gringas del culto al que pertenecí. o mis amigas de la empresa de inversiones extranjeras en la que trabajé. o el grupo de los hombres, o mi pareja. o mi hermano. mis hijos. cada una de estas relaciones me devuleve una sensación de mi personalidad, distinta.
Y de ahí pasamos a tener un diálogo interior, una conferencia, una constante conversación entre todas esa visiones de nosotras mismas, como muñecas en un estante. son tan diferentes como puede serlo una muñeca de porcelana con una de tela, con una de plástico, una digital, una de papel. cada cual a su propia escala, chiquitas, gordotas, tiesas o de físico imposible. Juntas se ven como una convención de las naciones unidas.

Cuando pinto personajes estas percepciones que he acumulado, de mí misma y, de muchas otras mujeres y hombres, de los otros, en tantos lugares en los que he estado, y de ficción también, en novelas leídas, películas... se aglomeran, por salir representadas. Todas esas personalidades quieren un cuerpo. Así también algunas mujeres hablan de que sienten todos los bebés que quieren venir al mundo a través de ellas. El pintor Bill en la novela de Siri H. dice que quiere tener muchos hijos y poblar el mundo con sus hijos. Pues no es un pensamiento exclusivo de un hombre pintor. 

Por eso digo que lo que pinto son muñecas. Con las que me enamoro y luego desprecio como cualquier niña que quiere muñecas nuevas. Las visto las peino las adorno las hago hacer cosas imposibles. Para mí todas son bellas cuando son novedad. Luego pierden su brillo porque les veo sus defectos. Todas nacen reinas bellas. Y es extraño porque me he dado cuenta que lo feo que podría haber de una muñeca no es lo que me imaginaba. Pueden ser deformes gordas flacas sueltas rígidas religiosas asexuales o cachondas serias o simples y todo lo que pueda pintar mientras los ojos estén animados correctamente, el juego está vivo. Cuando recién asoman su humanidad en un solo ojo, y hasta que todo su entorno queda fijo, es lo más divertido.

Y bueno, muchas cosas resultan de jugar con muñecas. Eso bien lo saben los actores y bailaoras, y escritores. Esto compartimos. Jugar con personajes me conecta con la diversidad de nuestra especie. Las rubias las negras las morenas las pálidas las oscuras. las malas las narcisistas las generosas. las depres las positivas las independientes las co-dependientes. Nuestra especie es muy diversa no solo en cuanto a su apariencia. somos neuro-diversos. y nuestros rasgos tienen diferencias muy muy sutiles. 
Siento que eso fue importante biológicamente, se favoreció por alguna razón que aún no sabemos, o es importante ahora, con esta nueva normalidad pandémica. Para respetar a la naturaleza, no basta con admirarla y verla como lo otro. Por eso lo de los anteojos. Ver la naturaleza como algo que está allá afuera como objeto no nos sirve, ahora lo sabemos después de que hemos destruído tanto y a tantos. Ser espectadores de la vida, y creer que es un cuento de hadas, o sea, animarla, mitificarla, o incluso apapacharla en una mascota... deja tú comerla, lavarla y limpiarla hasta quitarle todo lo vivo... no puede ser bueno. 
Tenemos que vernos como un todo, ver que la naturaleza es lo que somos. Nada no es naturaleza, excepto por lo que tenemos en nuestra mente, quizás, no sabemos si es o no es natural lo que está en nuestra mente, nuestras ideas... a veces se siente muy artificial. Si eso artificial es lo que usamos para ver lo natural... ¿qué tanto entendemos quiénes somos? en otras palabras; who in the world am i? como preguntó Alicia. 

La analogías y metáforas que apuntan a mostrarnos lo que es fundamental para el bienestar de la humanidad, son las que me interesa ver en mis muñecas. Lo que considero fundamental es ver que somos animales depredadores. ¿como si quiera empezar a ver nuestro lugar en el mundo si no conectamos con esa conciencia de especie primero que nada?  
Me gusta pensar que mis personajes están conscientes de su animalidad, que saben que no hay mucho qué hacer acá, excepto ser estos animales que somos, con este lenguaje y este conocimiento de nosotros mismos. ser mujer madre significa poseer un constante nexo con nuestra animalidad. ser humanas con tetas y vulvas visibles, vivir tocar sentir las partes de nuestro cuerpo de mujeres nos recuerdan, cada día, que salimos de una cueva acuática más indefensos que un renacuajo y con la capacidad de llegar a la Luna si eso es lo que queremos. Nuestra naturaleza animal inseparable de las oscuridades de la personalidad, esas imágenes, son las que me interesan. Las relaciones que nos recuerdan que tenemos una ceguera, que nos recuerda que no somos dioses, que podemos andar como ciegos, juntos en una hilera, dando tumbos hasta destruir todo a nuestro paso, por egoístas e inmaduras. o por daño o por mala suerte de combinación de genes.

El Quique me contó ayer que por otra tierras, lejanas, en África, existieron cuentos distintos sobre nuestro lugar en el mundo. La cosa estaba repartida entre los dioses y el caos. Los humanos asistían a los dioses a combatir el caos. No hay pinche bien ni mal. El caos es al que hay que vencer.

Me declaro de esa filosofía. No me lancé al desorden cuando era joven porque me gustara. No conocía nada de nada. Y aprendí. Y ahora mi vida está ordenada. Soy pintora de imágenes de humanas en el proceso de hacerse conscientes de su percepción del otro como extraño, diferente y misterioso. Ellas miran y muestran, apuntan y sugieren algo que se nos escapa como espectadores. la pintura es un espejo, sí. soy yo mostrando algo. pero no es un yo personal, es un yo cualquiera. cualquiera puede darse por aludido. no hay realismo excluyente. trata de ser poesía aunque sabe sus limitaciones. eso la hace poética por definición, por objeto inútil.
hasta aquí.

Enseñar arte. a quién, por qué y cómo.

El principio de este cuento está en la pregunta sobre qué es el arte. para los propósitos de este escrito sobre educación de arte, el arte será lo que se haga de manera poética. listo. 

pasando al centro de la divagación sobre educación de arte diré que no sé mucho al respecto. prácticamente nada con respecto a todo lo estudiado. tengo la experiencia de enseñar 5 años inglés como segundo idioma, de enseñar a unas amigas a divertirse encontrando cosas en las manchas, y de enseñar técnica de veladura. un curso una vez y ya. 

Como tengo la intención de enseñar arte, ya sea a través de la pintura o como parte de un currículum de historia, quiero desarrollar una visión personal y dejar de tratar de representar una postura académica. como creadora de imágenes no ilustrativas, surreales, fantásticas, no puedo andar pallá y pacá. 

si el arte es todo aquello que se hace de manera poética entonces podemos decir que habría que construir las circunstancias para que tal cosa ocurra. si es posible entonces tendremos el terreno fértil. y si la germinación de algo nuevo resulta en algo interesante para el que se embarca en el proceso primero que nada, entonces el terreno fue propicio. 

hasta aquí no he dicho mucho y sólo me he dado cuenta que no tengo ninguna metodología para hablar de arte. a pesar de que hice una tesis bastante buena sobre arte fantástico de México, en realidad es una tesis de historia. 

una propuesta de estudio sobre el quehacer de la pintura no parece tener sentido fuera de lo que tendría que decir sobre su época.

Lectura comentada #13 Heidegger

https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/mi-grabacion-13-intro-a-texto-de-heidegger


No seguí leyendo. Es decir, leí, pero no pude seguir. No soy filósofa y no tengo tiempo para estudiar filosofía como para terminar de entender la cita de Pancho Mendez en su libro El Cálculo Pictórico.
En cambio busqué otros textos acerca de la obra de Heidegger y encontré esto que me pareció útil. Resume muy bien donde está Heidegger hoy en día:
http://braungardt.trialectics.com/philosophy/philosophers/heidegger-made-simple/

la página sobre Heidegger en wikipedia dice bastante sobre el nivel de desacuerdos:
https://en.wikipedia.org/wiki/Talk:Martin_Heidegger##

Lo que no alcanzo a comprobar es lo anti cristiano que era este tipo. se igualaba a Nietzsche en eso. la subjetividad que reemplazó a Dios, pero de una manera que sigue siendo misterioso todo, relativo y nada útil. Al mismo tiempo creo reconocer una intención de ocultar la creencia en un dios. así lo interpreto. Algo que ya daba vergüenza o que por pudor, no se quería mostrar. obviamente que esa escuela, la Escuela donde estudié, (porque de eso iba todo este rollo de leer a Heidegger, una vez más) quería vivir una vida comunitaria según un principio divino. eso que ni qué. pero lo que no se ha dicho, es que creo que es una pérdida de tiempo para los que vienen. ni siquiera es algo poético. es un error. puedes hacerlo y decir que es poético. pero enseñarlo, educar así pues, ya no se debiera. hasta que llegue alguien y desvista al emperador o le ponga el cascabel.

Aquí termina mi disertación sobre mi relación con mi escuela. la escuela de arquitectura y diseño de la u católica de valpo.

Lectura comentada #10

https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/lectura-comentada-10
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Lectura comentada #9

https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/mi-grabacion-9
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Lectura comentada #8

https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/mi-grabacion-8

Lectura comentada #7

https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/lectura-comentada-7

Lectura comentada #6

https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/lectura-comentada-de-el-calculo-pictorico
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Lectura comentada #5.

https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/mi-grabacion-5
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Sería beneficioso para mí si logro ver esto del arte abstracto no como una manera antagonista al arte figurativo. Me refiero a la lectura del Cálculo pictórico que he venido haciendo, escrita por mi maestro casi 40 años atrás en la época en que estudié diseño. mi lectura ha estado excesivamente contreras. el asunto del "despertar" de Chile desde hace un par de meses ha significado para mí la revisión de todo lo que fue mi vida en los años de la dictadura. la escuela de arquitectura tenía una manera definida, un cálculo artístico, si se quiere, una manera de vivir el arte ya muy definida para los 80s y le acomodó muy bien no tener que tocar temas de representación. el escape a lo abstracto fue, como lo fue para la psicología de los pintores de la escuela de NY después de la 2a guerra, la combinación perfecta entre silencio y creatividad.

Y por supuesto que no son caminos excluyentes. si yo lo percibo así es por la historia del arte que me contaron. como si fuera un asunto de una línea, como una evolución natural o valiosa que fue de la representación, a la abstracción. de lo clásico a lo moderno. pero luego de eso vino otro gran salto en el arte, que se desprende y contiene a los dos anteriores y ya no se plantea como una respuesta o ruptura, como lo era lo moderno frente a lo clásico. lo posmoderno simplemente es una perspectiva que no quiere romper con nada sino incluir a todo igualitariamente.

Que se haya llegado a la abstracción es bueno porque es una manera más de pintar. pero no es lo cúlmine de nada. ahora sabemos que en nuestra situación posmoderna la fiesta la hacemos todos y con todos los recursos de los previos maestros, todos organizados en la tela según un nuevo cálculo pictórico que organiza representaciones y presencias abstractas como si fuera un collage. lo clásico y lo moderno son considerados con el mismo valor y juegan muy borgianamente, a presentarse como temas en sí mismos, elementos de "lo clásico" mezclados con elementos de "lo moderno", entendido este como un subjetivismo extremo, el campo psicológico abierto a exploración.
Lo que vemos ahora son obras abstractas o con figuración realista o fantástica, juntas o en versiones puras que se plantean sin pretensiones de verdad. ya no hay verdades absolutas sobre qué es la pintura, estamos en el momento en que sabemos que no hay una manera mejor que la otra, no hay ninguna manera general sino que, ya por fin lo sabemos, la pintura recibirá una interpretación personal cada vez que alguien la mire.
Esa manera de relatar la historia como si lo moderno fuese lo último, lo más destilado, similar a cuando el jazz se ubicaba como la evolución máxima de la música, como si fuese superior, más valioso en sí mismo... esa vision de la pintura deja a tantos pintores afuera del panorama. Simplemente no constituye la totalidad de lo que ocurre en el arte. porque el mundo es más grande que Europa y NY, e incluso dentro de ese grupo hegemónico, existían formas de arte que no es fácil encasillar, como al arte fantástico de la escuela vienesa y el arte brut, el arte musulmán y el asiático.

Mi duda es sobre si es cierto que una escuela de diseño hizo un daño al limitar su enseñanza a un solo estilo de arte, el abstracto. sobretodo usando un lenguaje que indicaba que la representación no tenía valor. ahora entiendo que ese proceso que vivieron mis maestros era lo que se vivía en el arte en ese momento, justo antes de que se diera vuelta la página a entender que el arte no cambiaría al mundo y que nos guste o no, no existe mejor ni peor. justo antes de que se entendiera a Borges y por fin incorporáramos la ciencia a la literatura, haciendo investigación. esa manera de ver el mundo desde las vanguardias acabó y comenzó otra más incluyente. Perpetuar la dicotomía entre representación y presentación ya no tuvo sentido luego de que se relativizara la mirada.

Sería equivocado criticar un hecho histórico como fue la postura creativa de la escuela en que estudié. era gente de su época. hecho mano a mi poquito rigor académico para darme cuenta que es tonto criticar a la historia. no había nada más en el horizonte para ellos en ese momento. sería interesante ver de qué manera se movió esa enseñanza y si sigue anclada en el rechazo a la figuración.

No tiene sentido que me enoje, ¿ o sí? por haber recibido una visión parcial del arte. Incluso si pudiera mostrar que esa postura era francamente elitista, quedan los murales de la escuela en Valpo, aún vigentes, relevantes simplemente por ser expresiones de ideas humanas hechas color, presencias humanas apuntando a lo que en su momento fue un misterio, esperando la aparición de ese ente heideggeriano entremedio de los múltiples horizontes porteños.

Lectura comentada #4.

https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/sobre-el-calculo-pictorico

Lectura comentada #3 sobre el cálculo pictórico

https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/mi-grabacion-3

Lectura comentada. Podcast sobre el análisis del texto "El Cálculo Pictórico" de Pancho Méndez.

liga a soundcloud para escuchar el podcast: https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/mi-grabacion-2

El texto al que me refiero, "El Cálculo Pictórico", está aquí >>>https://www.ead.pucv.cl/1982/el-calculo-pictorico/

Este un ensayo de podcast, que parte por leer el texto que escribí en mi entrada anterior en este mismo blog, y que escribí cuando me di cuenta que Pancho hablaba de una pintura que es pura presencia, y que yo interpreté como un ataque a la pintura figurativa.
Como siempre me pasa, no reflexioné nada y me fui a protestar por la palabra pura. Aquí queda documentada mi propia manera de comentar que en realidad es muy poco académica. Voy a tratar de hacerlo mejor en los siguientes podcasts.

El objetivo de esta serie de podcasts es volver a mi pasado de hace casi 40 años, cuando estudié Diseño Gráfico en la Escuela de Arquitectura y Diseño de la Universidad Católica de Valparaíso, puerto y ciudad vecina a Viña del Mar, mi ciudad natal. Y así revisar la enseñanza de arte que recibí en esa escuela para desde ahí conectar con mi propio oficio de pintora. Las cosas que me gustaría averiguar es el tipo de influencia que tuvo esa escuela en mi formación como artista.
La reconstrucción de la memoria de esos días ahora desde mi experiencia como pintora para sacar alguna conclusiones, en el ámbito de la enseñanza del arte.

Que quede claro que no soy historiadora, ni educadora profesional y la mirada sobre el cuerpo de enseñanza de la escuela es la de una artista. Esto se enmarca dentro de un trabajo de investigación de arte desde el arte. El texto analizado, es también, un texto sobre arte desde el arte.
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fe errata en el podcast (aparte de las barbaridades altamente cuestionables sobre mi primera reacción):
*Francisco Méndez fue fundador y maestro de la EAD desde mucho antes de los 80.
*¿dije puntificia? pues no es así. es Pontificia.

"La obra que se propone a ser aprehendida, es pura presencia, es lo que está allí, sin significación que suponga un antes o después".  Pancho Méndez en la transcripción de una clase de taller de la UCV en 1979 publicada como "El Cálculo Pictórico".

https://wiki.ead.pucv.cl/images/7/75/OFI_1982_Calculo_Pictorico.pdf

(Ha pasado mucha agua bajo el puente, pero siempre es beneficioso leer a un pintor hablar de su pintura y de cómo está dialogando con sus colegas con imágenes.

Pancho Méndez fue mi maestro en la Escuela de Diseño y Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso en los 80.)

Se habla de "la obra que se propone así", que propone que el espectador la vea así, sin adjudicar más de lo que objetivamente se ve ahí, ... ¿Se espera que no se interprete nada, que se vea la obra sin participar, sin establecer conexiones, asociaciones, memorias? ¿Se cree que es posible ver una obra objetivamente? ¿Se trata de ver solamente sus trazos o falta de ellos, solamente el color o ausencia, y nada más? Me refiero a esta sola frase sacada del contexto porque me parece que no se necesita más para entender lo que Pancho (qué patudos los chilenos que lo llamábamos así. El maestro Pancho diríamos acá en México). Pues ni modos, la fuerza de la mala costumbre.

"La obra que se propone así", que se cree pura presencia es una obra bastante austera, de renunciante a la vida y su caos. La obra sin cuerpos humanos, podría decir, igualmente.

"La obra que se propone a ser aprehendida..." ¿la obra no tiene autor tampoco? ¿Por qué se habla de la obra sin referencia a la intención del autor?

"La obra que se propone, es pura presencia". ¿Pura? (ya no sé qué dijo después de eso).
¿Porqué no dice, "la obra que se propone es presencia"? No lo dice así porque sería una obviedad. Por lo tanto la palabra "pura" es clave aquí. La pureza es lo que busca esta obra, es a lo que aspiraba.

Una época oscura de la historia de Chile en que el único refugio era la negación del significado, la eliminación del mensaje donde el mensaje es casi como decir ser humano. Paradójico, por decir lo menos. ¿Por qué en medio de tanta ofensa y violación alguien se pone a buscar la pureza? La pureza era aún en los 80s, tardíamente, un eco de la libertad de los 80 y un augurio de lo que sería la onda new age y todo su espiritualidad recién importada de la India. No creo, la verdad, que el maestro se haya siquiera interesado en aventurarse fuera de la Iglesia Católica.
¿De qué luz estamos hablando, de qué pureza? La iluminación o la luz de Dios, la que sea, qué lejos de la pintura con todo su cochinero de aceites y pigmentos que si no tienes cuidado se convierten en oscuridad.
¿Lo abstracto se acomodaba en medio de la Dictadura? ¿Era simplemente reflejo de las creencias coincidentes; gente que hacía acciones de gracias y ritos mágico-artísticos, performances reflejo de la anomia chilena? ¿Qué tanto de parecido existe con los abstractos de NY que fueron apoyados por la CIA para crear un arte no contestatario? ¿qué tanto influyó en esta teoría de la pintura, las ideas religiosas del autor? ¿podemos hablar de un arte espiritual? El arte visto como la experiencia de vida religiosa. Súmale la negación del cuerpo, cualquier significado, símbolo, sugerencia de realidad y ¿qué nos da? un arte inocuo. ¿Podemos hablar de seres apolíticos o ya podemos llamar a las cosas por su nombre? El que caya, valida.
En los 80s se rompió algo en Chile. La gente se volvió antisocial. Pero con este arte de pura presencia nadie se tenía que enterar de las emociones de los artistas. Un arte para olvidar el presente. Cuando se perdió la conexión con la realidad se perdió la continuidad con el arte en el resto del mundo. Allá la pintura también se rompió, pero luego se armó de nuevo. Aceptamos que la pintura no puede tener un significado unívoco; porque tiene muchas posibles interpretaciones.

Volviendo a la cita y como si no fuera suficientemente clara la palabra "pura", Pancho enfatiza que no hay significación posible. Es como el último intento de dominar la escena, justo antes de que se fuera todo a la mierda y acabáramos aceptando que la pintura es una "obra abierta".
Porque la obra que se presenta no puede manipular del todo al espectador. No de manera absoluta. No funciona igual para todos...  la pintura no puede comunicar unívocamente. Esto es lo que se supo después de que se tratara de destruir todo lo remotamente parecido a una pintura. La pintura murió y resucitó para defender el individualismo. Que tampoco está de moda ahora que nos damos cuenta que es este individualismo exacerbado el que nos llevó a este punto de amenazar nuestro propio suelo. Nos volvimos locos, en otras palabras. Y pues frente a eso, ya no hay certezas, no hay camino, es el fin. No es fin fin, claro, pero pues ya no está claro qué función tiene la pintura más allá de la que tiene para una misma durante el proceso de pintar. Así las cosas y por eso la técnica está en peligro de extinción. si no tiene un propósito claro, pues para qué aprenderla. Como una lengua hablada por pocos, como una flor o animal precioso pero inútil.

Aún así, persiste y la pintura pinta las ideas propias, cada vez. O no. Incluso si decido pintar una nada, una mierda literal o metafórica, realista o surreal, hay una idea detrás. ¿Hay una relación entre este cálculo plástico, inocuo, mudo, deshumanizado, y la situación de Chile en los 80? ¿No es acaso un refugio, un escape, las ideas de pureza? Lo recuerdo perfecto, ese puritanismo que creo que ahora puedo ver desde la distancia de la edad y las migraciones. La oposición del muralismo abstracto de la Escuela de Arquitectura y Diseño de Valparaíso frente a los murales de la Brigada Ramona Parra que resurge con los movimientos sociales de estos días.

Sí, era una pintura enfocada a la pretensión de alcanzar la pureza en el arte. El camino espiritual del artista que no involucra su ser político, ni sus emociones con respecto a su condición de víctima de una dictadura, y que se escapa en un cálculo sin dolor, sin pasión. Un juego ni siquiera matemático, solamente una distribución, un diseño. No se quiere que la obra signifique algo, de tal manera que es casi violenta. ¿No habría que aprender de esa experiencia de jerarquización del arte, donde lo abstracto está elevado y lo figurativo menospreciado? La historia de una escuela que favorece una postura elitista, espiritualizante, excluyente, debe haber dejado huella en varias generaciones de artistas chilenos. La percepción de la mayoría era que éramos especiales, como colectivo artístico y como individuos miembros de una especie de verdadera escuela de pensamiento moderno. ¿Se podrían sacar algunas conclusiones que echen luz a las formas de enseñanza artística?

Es increíble cómo este texto de Pancho tiene las claves para entender mi confusión cuando me acerqué a esa escuela de arte. Admiraba a Picasso y a Matta. No sabía más. La abstracción hacia la pureza era el modelo de arte que se abrazó allí y todas las técnicas clásicas de la pintura al óleo quedaron asociadas al pasado, a lo retrógrado y hasta hoy existe en mí esta necesidad de defenderlas, como el patrimonio cultural artístico que son verdaderamente democráticas,porque son aprendibles y utilizables por cualquier ser humano en este planeta. La riqueza de expresión a la que accedemos los artistas que queremos decir cosas, es inmensa. Laboriosa, por supuesto. Pienso que en esa escuela se vivía, no sé ahora, una forma de fanatismo artístico religioso, una especie de culto. Con su gurú, su dogma y su sangha.

Esta es mi primera nota sobre "El cálculo pictórico".

Obra terminada vs obra en proceso.

Pintar es un proceso lento- muy lento. no es que sea poco eficiente para crear imágenes, es que las crea de otra forma. las imágenes se construyen con capas y capas de reflexión. o por lo menos así lo hago yo. es materia plástica que se corrige, edita, reconstruye, que se cambia según el ánimo del pintor, según el humor de la pintora. hay ediciones de contenido y de forma. 

la imagen final, es decir, cómo se ve la obra terminada es algo que no conocemos. planeamos hacer algo nuevo y la ejecución es una sorpresa. entonces, cómo decidimos cuándo está terminada la pieza? un criterio que podemos usar es revisarla. mirarla con nuevos ojos. y violá, ahí tenemos el primer escollo en la simple tarea de mirar con ojos frescos. mirar por primera vez requiere el esfuerzo de ir contra la inercia de convertir en familiar lo que vemos. 
una manera de superar ese escollo, es guardando la pintura por un tiempo. un mes, por ejemplo. es infalible. verás que ya no la amas,  y si no la amabas, puede que decidas que está bien y que está terminada. es posible. pero la mayoría de las veces lo que ves no está bien, no te gusta. Es como escribir: haces borradores, limpias, editas, etc. Corriges lo que no aporta, sacas lo que confunde, acentúas, escondes, balanceas, armonizas, o, distorsionas y vuelves hermético, usando la manera de hacer para expresar lo que quieres. 
En los procesos de desarrollo laborales se habla de áreas de oportunidad, no de errores. porque se sobreentiende que estamos en un proceso de aprendizaje. Siempre.

Se podría argumentar que hay muchos tipos de relación con la obra que producimos. Puede que no sea de amor, si no de algo más enredado, como odio y amor. Tal vez quieras que el contenido o la forma, den cuenta de ese contraste, dualidad y por eso la vas a dejar "como salga", porque crees que es fiel a lo que sientes, porque crees que existe algo misterioso en ella, y que ese misterio debe respetarse. Como dicen: "es por algo" que es así. Y decides que ya quedó. Como crees que el talento y la inspiración son lo importante así la presentas. 
Para mí, esa manera de pensar en un proceso mágico de producción de obra implica creencias en una fuerza superior, un dios? el universo? los espíritus? una entidad absoluta? Y en este punto el feminismo entró, históricamente hablando, a la discusión en el arte. Una de las tantas maneras en que el feminismo influyó en el arte, y no siempre para aportar sino para destruir. Con justa razón, no discuto. A veces queremos mandar todo a la mierda porque ya fue suficiente. Yo respeto. Porque la idea de tener a una fuerza superior, omnipresente, juiciosa sobre mi cuerpo de mujer...mirando sobre tu hombro, un dios machín dueño del juego... en tu proceso? ¡yo pensaba que si eras feminista no ibas a trabajar para el patriarcado! ya. bajo mi espada. 

Sé que aquí es cuando nos empezamos a separar. cuando tratamos de definir el feminismo. ya sé que no se puede. que cada cual lo siente y lo vive a su manera. Yo soy anti iglesia, es la forma más primordial, más antigua, de mi feminismo. supongo que con eso ya dije todo lo que necesitaban saber de mí, pero les agrego algo más porque no es tan sencillo. dentro mío tengo una relación de amor y odio. la iglesia y su forma de adoctrinamiento nos regaló las más bellas ideas en imágenes que hayamos hecho los humanos. las más bellas formas de arquitectura y las más bellas formas de rituales. romper el hechizo de la magia religiosa es un ritual de madurez (ver Julia Sweeney). no para todos, por supuesto. para unos pocos pocos. para mí la iglesia personifica las imposiciones de un sistema de vida que se basa en la culpa. la culpa es una mierda, mal habito que nos impide estar presentes con nuevos ojos a cada momento. una artista feminista se atreve a cruzar al otro lado de río. cruzar los cercos de la culpa que trae caminar más allá de las obligaciones con la familia. bullies, that's what they are. sobre nuestro cuerpo, nuestro aparato reproductor. hombres y mujeres por igual hemos sido engañados. no somos máquinas parteras como dice la de Bridesmaid que somos. fuck the system. no somos obreras de producción de creyentes. vamos a darnos la libertad de decidir si queremos o no traer humanos al mundo. ahora. justo ahora cuando es imperativo para combatir la destrucción de los recursos debido a la sobreproducción que alimenta al monstruo de la codicia, monstruo devorador insaciable. 

sin consumidores te mueres, monstruo, y así nos salvamos todos. la familia trabaja para el sistema capitalista que es el pilar de la iglesia que enseña la agrupación en líneas de sangre que trae codificada la reproducción para humanos en tiempos de plagas y enfermedades que mataba a muchos más niños que ahora.... qué es primero, la familia o la iglesia, no sabemos cuál. la familia afuera y la iglesia en nuestro corazón y en nuestro aparato reproductor para mantenernos ocupadas en las fiestas y las preparaciones para las fiestas. así llenamos el vacío existencial que llevamos con nosotras desde que menstruamos, o no sé desde cuando, heredado y aprendido, inseparable de la definición de lo que somos. 
yo sé cómo hiere un ataque a la iglesia. lo sé bien. he tenido iglesias dentro de mí, he vivido lo que es pensar que mi creencia es verdadera, única, absoluta, justa y necesaria... he quemado mis barcos, he huído, y he encontrado salvación en dogmas que yo no creé y que eran engaños. 
(filosofía, psicología, sociología, de lo que me den, comento, paselé.)

OK, volviendo al tema....entonces en el proceso de revisar nuestra obra con ojos frescos... ¡vamos a checar si no se nos escapan contradicciones! 
Hacer arte implica un compromiso con todos los que abrieron camino antes que tú... las que tuvieron que luchar para que tú hagas lo que haces ahora. Todo tiempo pasado fue peor para las mujeres, así que si vas a hacer algo y presentarlo en la plaza pública, que sea con respeto para las grandes. Pero está el otro lado, la ruptura que hicieron las feministas con la pintura, el asociarla con el club de tobi que era la escena artística y por ello concluir que la técnica es forma de patriarcado, pues no estoy de acuerdo. no voy a tirar a la basura el agua con el bebé. el bebé se queda. el bebé es la pintura. la técnica flamenca, clásica, los códigos de ilusión metafórica. si no hubiera sido por que los hombres pintaron mujeres, no estarían en los libros de arte, puede ser. pero no por eso yo voy a dejar de pintar cuerpos de mujeres. justo cuando por fin tengo tiempo para pintar me voy a castigar y me voy a privar de pretender hacer obras con mujeres y hacerlas hermosas? 

Yo soy una defensora de los procesos lentos. pienso que es una forma de darme poder. lo que salga de ese proceso lento, tiene que, por lógica simple, ser más complejo que algo que fue hecho de volada, al "ahí se va", espontáneamente. O si va a ser espontáneo, es porque tiene muchas horas de práctica. No quiero que sea lo que salió a la primera por todas las razones que he dado. Claro, cada cual con lo suyo, verdad? pero y si me toca ser maestra? eso voy a enseñar? cada cual con lo suyo. pues no. como maestra de artes, yo les voy a mostrar recursos y también razonamientos. 

Para mí, la inspiración es un invento machín, un invento religioso. existe un más allá que es divino y YO tengo directo acceso al Olimpo. no me gué-véen. si quieren manifestarse en contra del patriarcado, cambien su forma de hacer arte. esa forma de inventar basada en la espontaneidad de un quinceañero que se la quiere meter a como dé lugar? esa, es la espontaneidad del que no piensa las consecuencias de sus actos. la obra tiene que mostrar que hubo un proceso de reflexión sobre el resultado- a no ser que el performance se explicite como una foto en el proceso, como un documento croquis de lo que podría ser una obra teatral, una peli, un video o lo que sea que vaya a ser la plataforma final, 
lo que digo sobre el performance lo digo porque me encantaría ver un acto poético, sí. cuerpo y texto entrelazado... lo que no quiero ver es mujer embarrada de sangre menstrual, rocío de morgue donde estuvieron mujeres asesinadas, ni cualquier tipo de agresión al cuerpo de la mujer. vaya, que ya fue suficiente.

bueno. este texto fue en respuesta a una liga que puso mi amiga linda y hermosa Andreaen su facebook. 
https://jacarandasenelasfaltov8.wordpress.com

Para una clase de pintura.
Sobre el tema de las veladuras. 

las veladuras sitúan a mi pintura en el ámbito de la pintura clásica pero en realidad creo que las uso de manera no muy ortodoxa. 
Esta técnica que tiene cientos de años puede usarse para enriquecer las texturas, para dar profundidad, crear una atmósfera, y no es necesario ser estricto en su uso. puedes pensarlas simplemente como un barniz de color. 
Pero es la manera de construir "la carne" que yo prefiero. El truco de poner una capa de color frío en la base para luego cubrirla con un barniz de color ocre, de manera que al poner las luces se crea una apariencia de piel, de cuerpo humano... es lo que sitúa mi pintura en lo clásico. Por ese truco para construir una ilusión. 
En la historia del arte, esa técnica corresponde al período previo a la modernidad, una época religiosa, oscura, obsesionada con la carne como contenedor de lo divino.  Luego se rompieron las reglas del juego, y los pintores decidieron hacer evidente la realidad de que la tela es una tela y la superficie en la que pintamos sólo tiene 2 dimensiones. Yo hablo como si fuera la verdad de las cosas pero obviamente son opiniones.

muchas técnicas surgieron con las rupturas hasta el día de hoy en que se siguen inventando maneras de hacer las cosas, donde el puro proceso pasó a ser el centro de atención. me parece beneficioso. el proceso creativo de la pintura es uno que se lleva bien con la percepción de que la pintura es terapéutica. creatividad y terapia en una sola frase que apunta a la importancia de los programas artísticos para una humanidad adolescente. porque duele ser joven y cometer tantos errores. o mejor dicho duele sentir que los errores no sirven de nada. 
en la pintura experimentamos, con el tiempo, y seguramente como en cualquier otro oficio creativo, la soltura y liviandad de un ser humano que sabe que con trabajo constante y autoreflexión, se pueden lograr cosas bellas. 

Mi motivación para defender y enseñar apreciación por esta técnica de veladuras se debe a que es un proceso de creación que sirve de metáfora para enseñar paciencia, trabajo y reflexión. En parte es una manera de compartir, y también un acto de retribución por lo que se me enseñó. No puede uno devolver a los maestros que van más adelante, pero sí se puede devolver a los que vienen detrás.