https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/mi-grabacion-13-intro-a-texto-de-heidegger
No seguí leyendo. Es decir, leí, pero no pude seguir. No soy filósofa y no tengo tiempo para estudiar filosofía como para terminar de entender la cita de Pancho Mendez en su libro El Cálculo Pictórico.
En cambio busqué otros textos acerca de la obra de Heidegger y encontré esto que me pareció útil. Resume muy bien donde está Heidegger hoy en día:
http://braungardt.trialectics.com/philosophy/philosophers/heidegger-made-simple/
la página sobre Heidegger en wikipedia dice bastante sobre el nivel de desacuerdos:
https://en.wikipedia.org/wiki/Talk:Martin_Heidegger##
Lo que no alcanzo a comprobar es lo anti cristiano que era este tipo. se igualaba a Nietzsche en eso. la subjetividad que reemplazó a Dios, pero de una manera que sigue siendo misterioso todo, relativo y nada útil. Al mismo tiempo creo reconocer una intención de ocultar la creencia en un dios. así lo interpreto. Algo que ya daba vergüenza o que por pudor, no se quería mostrar. obviamente que esa escuela, la Escuela donde estudié, (porque de eso iba todo este rollo de leer a Heidegger, una vez más) quería vivir una vida comunitaria según un principio divino. eso que ni qué. pero lo que no se ha dicho, es que creo que es una pérdida de tiempo para los que vienen. ni siquiera es algo poético. es un error. puedes hacerlo y decir que es poético. pero enseñarlo, educar así pues, ya no se debiera. hasta que llegue alguien y desvista al emperador o le ponga el cascabel.
Aquí termina mi disertación sobre mi relación con mi escuela. la escuela de arquitectura y diseño de la u católica de valpo.
17.12.19
13.12.19
Sería beneficioso para mí si logro ver esto del arte abstracto no como una manera antagonista al arte figurativo. Me refiero a la lectura del Cálculo pictórico que he venido haciendo, escrita por mi maestro casi 40 años atrás en la época en que estudié diseño. mi lectura ha estado excesivamente contreras. el asunto del "despertar" de Chile desde hace un par de meses ha significado para mí la revisión de todo lo que fue mi vida en los años de la dictadura. la escuela de arquitectura tenía una manera definida, un cálculo artístico, si se quiere, una manera de vivir el arte ya muy definida para los 80s y le acomodó muy bien no tener que tocar temas de representación. el escape a lo abstracto fue, como lo fue para la psicología de los pintores de la escuela de NY después de la 2a guerra, la combinación perfecta entre silencio y creatividad.
Y por supuesto que no son caminos excluyentes. si yo lo percibo así es por la historia del arte que me contaron. como si fuera un asunto de una línea, como una evolución natural o valiosa que fue de la representación, a la abstracción. de lo clásico a lo moderno. pero luego de eso vino otro gran salto en el arte, que se desprende y contiene a los dos anteriores y ya no se plantea como una respuesta o ruptura, como lo era lo moderno frente a lo clásico. lo posmoderno simplemente es una perspectiva que no quiere romper con nada sino incluir a todo igualitariamente.
Que se haya llegado a la abstracción es bueno porque es una manera más de pintar. pero no es lo cúlmine de nada. ahora sabemos que en nuestra situación posmoderna la fiesta la hacemos todos y con todos los recursos de los previos maestros, todos organizados en la tela según un nuevo cálculo pictórico que organiza representaciones y presencias abstractas como si fuera un collage. lo clásico y lo moderno son considerados con el mismo valor y juegan muy borgianamente, a presentarse como temas en sí mismos, elementos de "lo clásico" mezclados con elementos de "lo moderno", entendido este como un subjetivismo extremo, el campo psicológico abierto a exploración.
Lo que vemos ahora son obras abstractas o con figuración realista o fantástica, juntas o en versiones puras que se plantean sin pretensiones de verdad. ya no hay verdades absolutas sobre qué es la pintura, estamos en el momento en que sabemos que no hay una manera mejor que la otra, no hay ninguna manera general sino que, ya por fin lo sabemos, la pintura recibirá una interpretación personal cada vez que alguien la mire.
Esa manera de relatar la historia como si lo moderno fuese lo último, lo más destilado, similar a cuando el jazz se ubicaba como la evolución máxima de la música, como si fuese superior, más valioso en sí mismo... esa vision de la pintura deja a tantos pintores afuera del panorama. Simplemente no constituye la totalidad de lo que ocurre en el arte. porque el mundo es más grande que Europa y NY, e incluso dentro de ese grupo hegemónico, existían formas de arte que no es fácil encasillar, como al arte fantástico de la escuela vienesa y el arte brut, el arte musulmán y el asiático.
Mi duda es sobre si es cierto que una escuela de diseño hizo un daño al limitar su enseñanza a un solo estilo de arte, el abstracto. sobretodo usando un lenguaje que indicaba que la representación no tenía valor. ahora entiendo que ese proceso que vivieron mis maestros era lo que se vivía en el arte en ese momento, justo antes de que se diera vuelta la página a entender que el arte no cambiaría al mundo y que nos guste o no, no existe mejor ni peor. justo antes de que se entendiera a Borges y por fin incorporáramos la ciencia a la literatura, haciendo investigación. esa manera de ver el mundo desde las vanguardias acabó y comenzó otra más incluyente. Perpetuar la dicotomía entre representación y presentación ya no tuvo sentido luego de que se relativizara la mirada.
Sería equivocado criticar un hecho histórico como fue la postura creativa de la escuela en que estudié. era gente de su época. hecho mano a mi poquito rigor académico para darme cuenta que es tonto criticar a la historia. no había nada más en el horizonte para ellos en ese momento. sería interesante ver de qué manera se movió esa enseñanza y si sigue anclada en el rechazo a la figuración.
No tiene sentido que me enoje, ¿ o sí? por haber recibido una visión parcial del arte. Incluso si pudiera mostrar que esa postura era francamente elitista, quedan los murales de la escuela en Valpo, aún vigentes, relevantes simplemente por ser expresiones de ideas humanas hechas color, presencias humanas apuntando a lo que en su momento fue un misterio, esperando la aparición de ese ente heideggeriano entremedio de los múltiples horizontes porteños.
12.12.19
11.12.19
Lectura comentada. Podcast sobre el análisis del texto "El Cálculo Pictórico" de Pancho Méndez.
liga a soundcloud para escuchar el podcast: https://soundcloud.com/cristina-lopez-casas/mi-grabacion-2
El texto al que me refiero, "El Cálculo Pictórico", está aquí >>>https://www.ead.pucv.cl/1982/el-calculo-pictorico/
Este un ensayo de podcast, que parte por leer el texto que escribí en mi entrada anterior en este mismo blog, y que escribí cuando me di cuenta que Pancho hablaba de una pintura que es pura presencia, y que yo interpreté como un ataque a la pintura figurativa.
Como siempre me pasa, no reflexioné nada y me fui a protestar por la palabra pura. Aquí queda documentada mi propia manera de comentar que en realidad es muy poco académica. Voy a tratar de hacerlo mejor en los siguientes podcasts.
El objetivo de esta serie de podcasts es volver a mi pasado de hace casi 40 años, cuando estudié Diseño Gráfico en la Escuela de Arquitectura y Diseño de la Universidad Católica de Valparaíso, puerto y ciudad vecina a Viña del Mar, mi ciudad natal. Y así revisar la enseñanza de arte que recibí en esa escuela para desde ahí conectar con mi propio oficio de pintora. Las cosas que me gustaría averiguar es el tipo de influencia que tuvo esa escuela en mi formación como artista.
La reconstrucción de la memoria de esos días ahora desde mi experiencia como pintora para sacar alguna conclusiones, en el ámbito de la enseñanza del arte.
Que quede claro que no soy historiadora, ni educadora profesional y la mirada sobre el cuerpo de enseñanza de la escuela es la de una artista. Esto se enmarca dentro de un trabajo de investigación de arte desde el arte. El texto analizado, es también, un texto sobre arte desde el arte.
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fe errata en el podcast (aparte de las barbaridades altamente cuestionables sobre mi primera reacción):
*Francisco Méndez fue fundador y maestro de la EAD desde mucho antes de los 80.
*¿dije puntificia? pues no es así. es Pontificia.
20.11.19
"La obra que se propone a ser aprehendida, es pura presencia, es lo que está
allí, sin significación que suponga un antes o después". Pancho Méndez en la transcripción de una clase de taller de la UCV en 1979 publicada como "El Cálculo Pictórico".
https://wiki.ead.pucv.cl/images/7/75/OFI_1982_Calculo_Pictorico.pdf
https://wiki.ead.pucv.cl/images/7/75/OFI_1982_Calculo_Pictorico.pdf
(Ha pasado mucha agua bajo el puente, pero siempre es beneficioso leer a un pintor hablar de su pintura y de cómo está dialogando con sus colegas con imágenes.
Pancho Méndez fue mi maestro en la Escuela de Diseño y Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso en los 80.)
Se habla de "la obra que se propone así", que propone que el espectador la vea así, sin adjudicar más de lo que objetivamente se ve ahí, ... ¿Se espera que no se interprete nada, que se vea la obra sin participar, sin establecer conexiones, asociaciones, memorias? ¿Se cree que es posible ver una obra objetivamente? ¿Se trata de ver solamente sus trazos o falta de ellos, solamente el color o ausencia, y nada más? Me refiero a esta sola frase sacada del contexto porque me parece que no se necesita más para entender lo que Pancho (qué patudos los chilenos que lo llamábamos así. El maestro Pancho diríamos acá en México). Pues ni modos, la fuerza de la mala costumbre.
"La obra que se propone así", que se cree pura presencia es una obra bastante austera, de renunciante a la vida y su caos. La obra sin cuerpos humanos, podría decir, igualmente.
"La obra que se propone a ser aprehendida..." ¿la obra no tiene autor tampoco? ¿Por qué se habla de la obra sin referencia a la intención del autor?
"La obra que se propone, es pura presencia". ¿Pura? (ya no sé qué dijo después de eso).
¿Porqué no dice, "la obra que se propone es presencia"? No lo dice así porque sería una obviedad. Por lo tanto la palabra "pura" es clave aquí. La pureza es lo que busca esta obra, es a lo que aspiraba.
Una época oscura de la historia de Chile en que el único refugio era la negación del significado, la eliminación del mensaje donde el mensaje es casi como decir ser humano. Paradójico, por decir lo menos. ¿Por qué en medio de tanta ofensa y violación alguien se pone a buscar la pureza? La pureza era aún en los 80s, tardíamente, un eco de la libertad de los 80 y un augurio de lo que sería la onda new age y todo su espiritualidad recién importada de la India. No creo, la verdad, que el maestro se haya siquiera interesado en aventurarse fuera de la Iglesia Católica.
¿De qué luz estamos hablando, de qué pureza? La iluminación o la luz de Dios, la que sea, qué lejos de la pintura con todo su cochinero de aceites y pigmentos que si no tienes cuidado se convierten en oscuridad.
¿Lo abstracto se acomodaba en medio de la Dictadura? ¿Era simplemente reflejo de las creencias coincidentes; gente que hacía acciones de gracias y ritos mágico-artísticos, performances reflejo de la anomia chilena? ¿Qué tanto de parecido existe con los abstractos de NY que fueron apoyados por la CIA para crear un arte no contestatario? ¿qué tanto influyó en esta teoría de la pintura, las ideas religiosas del autor? ¿podemos hablar de un arte espiritual? El arte visto como la experiencia de vida religiosa. Súmale la negación del cuerpo, cualquier significado, símbolo, sugerencia de realidad y ¿qué nos da? un arte inocuo. ¿Podemos hablar de seres apolíticos o ya podemos llamar a las cosas por su nombre? El que caya, valida.
En los 80s se rompió algo en Chile. La gente se volvió antisocial. Pero con este arte de pura presencia nadie se tenía que enterar de las emociones de los artistas. Un arte para olvidar el presente. Cuando se perdió la conexión con la realidad se perdió la continuidad con el arte en el resto del mundo. Allá la pintura también se rompió, pero luego se armó de nuevo. Aceptamos que la pintura no puede tener un significado unívoco; porque tiene muchas posibles interpretaciones.
Volviendo a la cita y como si no fuera suficientemente clara la palabra "pura", Pancho enfatiza que no hay significación posible. Es como el último intento de dominar la escena, justo antes de que se fuera todo a la mierda y acabáramos aceptando que la pintura es una "obra abierta".
Porque la obra que se presenta no puede manipular del todo al espectador. No de manera absoluta. No funciona igual para todos... la pintura no puede comunicar unívocamente. Esto es lo que se supo después de que se tratara de destruir todo lo remotamente parecido a una pintura. La pintura murió y resucitó para defender el individualismo. Que tampoco está de moda ahora que nos damos cuenta que es este individualismo exacerbado el que nos llevó a este punto de amenazar nuestro propio suelo. Nos volvimos locos, en otras palabras. Y pues frente a eso, ya no hay certezas, no hay camino, es el fin. No es fin fin, claro, pero pues ya no está claro qué función tiene la pintura más allá de la que tiene para una misma durante el proceso de pintar. Así las cosas y por eso la técnica está en peligro de extinción. si no tiene un propósito claro, pues para qué aprenderla. Como una lengua hablada por pocos, como una flor o animal precioso pero inútil.
Aún así, persiste y la pintura pinta las ideas propias, cada vez. O no. Incluso si decido pintar una nada, una mierda literal o metafórica, realista o surreal, hay una idea detrás. ¿Hay una relación entre este cálculo plástico, inocuo, mudo, deshumanizado, y la situación de Chile en los 80? ¿No es acaso un refugio, un escape, las ideas de pureza? Lo recuerdo perfecto, ese puritanismo que creo que ahora puedo ver desde la distancia de la edad y las migraciones. La oposición del muralismo abstracto de la Escuela de Arquitectura y Diseño de Valparaíso frente a los murales de la Brigada Ramona Parra que resurge con los movimientos sociales de estos días.
Sí, era una pintura enfocada a la pretensión de alcanzar la pureza en el arte. El camino espiritual del artista que no involucra su ser político, ni sus emociones con respecto a su condición de víctima de una dictadura, y que se escapa en un cálculo sin dolor, sin pasión. Un juego ni siquiera matemático, solamente una distribución, un diseño. No se quiere que la obra signifique algo, de tal manera que es casi violenta. ¿No habría que aprender de esa experiencia de jerarquización del arte, donde lo abstracto está elevado y lo figurativo menospreciado? La historia de una escuela que favorece una postura elitista, espiritualizante, excluyente, debe haber dejado huella en varias generaciones de artistas chilenos. La percepción de la mayoría era que éramos especiales, como colectivo artístico y como individuos miembros de una especie de verdadera escuela de pensamiento moderno. ¿Se podrían sacar algunas conclusiones que echen luz a las formas de enseñanza artística?
Es increíble cómo este texto de Pancho tiene las claves para entender mi confusión cuando me acerqué a esa escuela de arte. Admiraba a Picasso y a Matta. No sabía más. La abstracción hacia la pureza era el modelo de arte que se abrazó allí y todas las técnicas clásicas de la pintura al óleo quedaron asociadas al pasado, a lo retrógrado y hasta hoy existe en mí esta necesidad de defenderlas, como el patrimonio cultural artístico que son verdaderamente democráticas,porque son aprendibles y utilizables por cualquier ser humano en este planeta. La riqueza de expresión a la que accedemos los artistas que queremos decir cosas, es inmensa. Laboriosa, por supuesto. Pienso que en esa escuela se vivía, no sé ahora, una forma de fanatismo artístico religioso, una especie de culto. Con su gurú, su dogma y su sangha.
Esta es mi primera nota sobre "El cálculo pictórico".
27.5.19
Obra terminada vs obra en proceso.
Pintar es un proceso lento- muy lento. no es que sea poco eficiente para crear imágenes, es que las crea de otra forma. las imágenes se construyen con capas y capas de reflexión. o por lo menos así lo hago yo. es materia plástica que se corrige, edita, reconstruye, que se cambia según el ánimo del pintor, según el humor de la pintora. hay ediciones de contenido y de forma.
la imagen final, es decir, cómo se ve la obra terminada es algo que no conocemos. planeamos hacer algo nuevo y la ejecución es una sorpresa. entonces, cómo decidimos cuándo está terminada la pieza? un criterio que podemos usar es revisarla. mirarla con nuevos ojos. y violá, ahí tenemos el primer escollo en la simple tarea de mirar con ojos frescos. mirar por primera vez requiere el esfuerzo de ir contra la inercia de convertir en familiar lo que vemos.
una manera de superar ese escollo, es guardando la pintura por un tiempo. un mes, por ejemplo. es infalible. verás que ya no la amas, y si no la amabas, puede que decidas que está bien y que está terminada. es posible. pero la mayoría de las veces lo que ves no está bien, no te gusta. Es como escribir: haces borradores, limpias, editas, etc. Corriges lo que no aporta, sacas lo que confunde, acentúas, escondes, balanceas, armonizas, o, distorsionas y vuelves hermético, usando la manera de hacer para expresar lo que quieres.
En los procesos de desarrollo laborales se habla de áreas de oportunidad, no de errores. porque se sobreentiende que estamos en un proceso de aprendizaje. Siempre.
Se podría argumentar que hay muchos tipos de relación con la obra que producimos. Puede que no sea de amor, si no de algo más enredado, como odio y amor. Tal vez quieras que el contenido o la forma, den cuenta de ese contraste, dualidad y por eso la vas a dejar "como salga", porque crees que es fiel a lo que sientes, porque crees que existe algo misterioso en ella, y que ese misterio debe respetarse. Como dicen: "es por algo" que es así. Y decides que ya quedó. Como crees que el talento y la inspiración son lo importante así la presentas.
Para mí, esa manera de pensar en un proceso mágico de producción de obra implica creencias en una fuerza superior, un dios? el universo? los espíritus? una entidad absoluta? Y en este punto el feminismo entró, históricamente hablando, a la discusión en el arte. Una de las tantas maneras en que el feminismo influyó en el arte, y no siempre para aportar sino para destruir. Con justa razón, no discuto. A veces queremos mandar todo a la mierda porque ya fue suficiente. Yo respeto. Porque la idea de tener a una fuerza superior, omnipresente, juiciosa sobre mi cuerpo de mujer...mirando sobre tu hombro, un dios machín dueño del juego... en tu proceso? ¡yo pensaba que si eras feminista no ibas a trabajar para el patriarcado! ya. bajo mi espada.
Sé que aquí es cuando nos empezamos a separar. cuando tratamos de definir el feminismo. ya sé que no se puede. que cada cual lo siente y lo vive a su manera. Yo soy anti iglesia, es la forma más primordial, más antigua, de mi feminismo. supongo que con eso ya dije todo lo que necesitaban saber de mí, pero les agrego algo más porque no es tan sencillo. dentro mío tengo una relación de amor y odio. la iglesia y su forma de adoctrinamiento nos regaló las más bellas ideas en imágenes que hayamos hecho los humanos. las más bellas formas de arquitectura y las más bellas formas de rituales. romper el hechizo de la magia religiosa es un ritual de madurez (ver Julia Sweeney). no para todos, por supuesto. para unos pocos pocos. para mí la iglesia personifica las imposiciones de un sistema de vida que se basa en la culpa. la culpa es una mierda, mal habito que nos impide estar presentes con nuevos ojos a cada momento. una artista feminista se atreve a cruzar al otro lado de río. cruzar los cercos de la culpa que trae caminar más allá de las obligaciones con la familia. bullies, that's what they are. sobre nuestro cuerpo, nuestro aparato reproductor. hombres y mujeres por igual hemos sido engañados. no somos máquinas parteras como dice la de Bridesmaid que somos. fuck the system. no somos obreras de producción de creyentes. vamos a darnos la libertad de decidir si queremos o no traer humanos al mundo. ahora. justo ahora cuando es imperativo para combatir la destrucción de los recursos debido a la sobreproducción que alimenta al monstruo de la codicia, monstruo devorador insaciable.
sin consumidores te mueres, monstruo, y así nos salvamos todos. la familia trabaja para el sistema capitalista que es el pilar de la iglesia que enseña la agrupación en líneas de sangre que trae codificada la reproducción para humanos en tiempos de plagas y enfermedades que mataba a muchos más niños que ahora.... qué es primero, la familia o la iglesia, no sabemos cuál. la familia afuera y la iglesia en nuestro corazón y en nuestro aparato reproductor para mantenernos ocupadas en las fiestas y las preparaciones para las fiestas. así llenamos el vacío existencial que llevamos con nosotras desde que menstruamos, o no sé desde cuando, heredado y aprendido, inseparable de la definición de lo que somos.
yo sé cómo hiere un ataque a la iglesia. lo sé bien. he tenido iglesias dentro de mí, he vivido lo que es pensar que mi creencia es verdadera, única, absoluta, justa y necesaria... he quemado mis barcos, he huído, y he encontrado salvación en dogmas que yo no creé y que eran engaños.
(filosofía, psicología, sociología, de lo que me den, comento, paselé.)
OK, volviendo al tema....entonces en el proceso de revisar nuestra obra con ojos frescos... ¡vamos a checar si no se nos escapan contradicciones!
Hacer arte implica un compromiso con todos los que abrieron camino antes que tú... las que tuvieron que luchar para que tú hagas lo que haces ahora. Todo tiempo pasado fue peor para las mujeres, así que si vas a hacer algo y presentarlo en la plaza pública, que sea con respeto para las grandes. Pero está el otro lado, la ruptura que hicieron las feministas con la pintura, el asociarla con el club de tobi que era la escena artística y por ello concluir que la técnica es forma de patriarcado, pues no estoy de acuerdo. no voy a tirar a la basura el agua con el bebé. el bebé se queda. el bebé es la pintura. la técnica flamenca, clásica, los códigos de ilusión metafórica. si no hubiera sido por que los hombres pintaron mujeres, no estarían en los libros de arte, puede ser. pero no por eso yo voy a dejar de pintar cuerpos de mujeres. justo cuando por fin tengo tiempo para pintar me voy a castigar y me voy a privar de pretender hacer obras con mujeres y hacerlas hermosas?
Yo soy una defensora de los procesos lentos. pienso que es una forma de darme poder. lo que salga de ese proceso lento, tiene que, por lógica simple, ser más complejo que algo que fue hecho de volada, al "ahí se va", espontáneamente. O si va a ser espontáneo, es porque tiene muchas horas de práctica. No quiero que sea lo que salió a la primera por todas las razones que he dado. Claro, cada cual con lo suyo, verdad? pero y si me toca ser maestra? eso voy a enseñar? cada cual con lo suyo. pues no. como maestra de artes, yo les voy a mostrar recursos y también razonamientos.
Para mí, la inspiración es un invento machín, un invento religioso. existe un más allá que es divino y YO tengo directo acceso al Olimpo. no me gué-véen. si quieren manifestarse en contra del patriarcado, cambien su forma de hacer arte. esa forma de inventar basada en la espontaneidad de un quinceañero que se la quiere meter a como dé lugar? esa, es la espontaneidad del que no piensa las consecuencias de sus actos. la obra tiene que mostrar que hubo un proceso de reflexión sobre el resultado- a no ser que el performance se explicite como una foto en el proceso, como un documento croquis de lo que podría ser una obra teatral, una peli, un video o lo que sea que vaya a ser la plataforma final,
lo que digo sobre el performance lo digo porque me encantaría ver un acto poético, sí. cuerpo y texto entrelazado... lo que no quiero ver es mujer embarrada de sangre menstrual, rocío de morgue donde estuvieron mujeres asesinadas, ni cualquier tipo de agresión al cuerpo de la mujer. vaya, que ya fue suficiente.
bueno. este texto fue en respuesta a una liga que puso mi amiga linda y hermosa Andreaen su facebook.
https://jacarandasenelasfaltov8.wordpress.com
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